一份最值得攝影人收藏的高分電影清單
今天跟大家分享一份最值得攝影人收藏的高分電影清單。
19世紀30年代，自從尼埃普斯第一次把光線停留在物體上，達蓋爾又在此基礎上發明了銀版攝影法之後，「攝影」這一技藝便不斷地記錄著、反映著、影響著我們這個世界，一代代的攝影師留下了浩若煙海的影像資料。又在攝影誕生之後40年，穆布里奇拍攝賽馬時所發明的連拍技術，讓連幀動態影像成為了可能，隨後便是愛迪生綜合前人經驗註冊了第一部電影機的故事，然後「電影」成為了“第七藝術”，催生了電影市場，推動了無數產業經濟的發展，“看電影”早已是大眾茶餘飯後的主要休閒。
無論是攝影還是電影都早已深入人心。在移動互聯網如此發達的今時今日，影像技術依舊在不斷地發展以適應時代，“短視頻”“vlog”是年輕人之間的熱詞。但是，正因如此，那些不可複製的經典更加值得收藏、回味：膠片、銀幕之上的年代濾鏡有著無限的美好，理想與幻夢碰撞出的燦爛光輝，紀錄捕捉和上下求索的堅持執著，光影打造和運鏡設計的匠心運用，攝影和電影用它們無上的魅力打動著一代代人。
於是，我們今天就跟大家分享十部與攝影相關的電影，順便介紹一下電影背後的那些人與事、血與淚、詩與美——
1
每一個新聞人、攝影記者，應該都知道普利策攝影獎作品《飢餓的蘇丹》，甚至絕大多數的中國高三學生也聽過凱文·卡特的名字（作文素材），正是他拍到了那張著名的照片——一個瘦骨嶙峋的蘇丹女童即將餓斃，跪倒在地，而兀鷹正在女孩後方不遠處，虎視眈眈，等候獵食女孩。
△《飢餓的蘇丹》
《槍聲俱樂部》（《砰砰俱樂部》）講的就是凱文·卡特和他的圖片編輯、攝影記者朋友們的故事。曾經的“槍聲俱樂部”由格雷格·馬霖諾維奇、若昂·席爾瓦、凱文·卡特和肯·烏斯特布魯克四個攝影記者組成，影片就是根據故事中的兩位主角馬霖諾維奇和席爾瓦的回憶錄改編而成。
△《槍聲俱樂部》
四人因為深厚的友誼而緊密地聯繫在一起，照相機是他們最有力的“武器”。他們遊走在被種族隔離制度摧殘得面目全非的南非街頭，利用他們手中的鏡頭記錄了第一次自由選舉背後的所有殘酷、血腥和暴力。他們在那個風雲變幻的年代追逐著自己的攝影夢想，拍攝了非洲大地上的種種新聞故事，奉獻出了他們個人最為優秀的攝影作品。其中，凱文·卡特和馬霖諾維奇都曾獲普利策攝影獎。
△《槍聲俱樂部》
當年，《飢餓的蘇丹》在紐約時報發表後激起強烈反響，一方面引起了國際輿論對蘇丹饑荒和蘇丹內亂的關注，另一方面，有一種聲音在譴責卡特，責問他為何沒有放下相機去救小女孩。而在2個月後，南非警察在約翰內斯堡發現了凱文·卡特在汽車內用一氧化碳自殺身亡。
有許多人也就此案例討論新聞記者、攝影師在職業成果和人性道德之間的平衡選擇。照片的背後還有更多的故事，這裡不多劇透，感興趣的朋友可以看看這部電影，感受一下戰地攝影師這個職業的魅力與他們的掙扎。
△ 一些網友關於《槍聲俱樂部》的評價
2
同樣是講述戰地攝影師，《槍聲俱樂部》珍貴之處在於故事的戲劇性和傳奇性，而這一部《戰地攝影師》，則在於它更直接、更真實、更震撼，在類型上，也是採用了紀錄片的形式。本片忠實地記錄下了國際著名戰地攝影師詹姆斯·納切威冒著生命的危險，深入世界各地炮火前沿，用一張張視角獨特、構圖精美的珍貴影像講述，一次次戰火紛飛中觸目驚心的痛苦與傷痛。
瑞士著名電視製片人C·弗雷，從1999年6月到2001年6月，一路跟蹤採訪納切威的足跡。弗雷將一架特製的超小型攝像機掛在納切威的照相機上，不僅使觀眾可以看到這位著名攝影師如何觀察、如何拍攝，甚至可以使我們聽到他的每一次呼吸和每一次按下的快門聲，現場感極強。
△《戰地攝影師》
當今最著名的戰地攝影師詹姆斯·納切威，被譽為“最勇敢、最重要的戰爭攝影師”之一。自20世紀70年代初，他便開始從事戰地攝影工作。他的足跡幾乎覆蓋世界的每個角落，從盧旺達的種族大屠殺到塔利班的恐怖行動，從科索沃衝突到巴爾幹的人道災難，從中東地區的暴力事件到蘇丹的饑荒、車臣的炮火……都在他的相機裡留下了真實和永恆的記錄，真實得讓人心驚。
△納切威作品《盧旺達胡圖死亡集中營的倖存者》
詹姆斯·納切威在戰地攝影這一行做了幾十年，在這期間能夠寫進歷史裡的戰爭，他幾乎全都拍過照片。“世界新聞攝影大賽“（荷賽）、“羅伯特.卡帕金獎”、“尤金·史密斯人道主義紀實攝影基金”……這些紀實攝影最高領域的獎項，他已經拿過無數遍。這部電影，能夠讓你跟著他的腳步，親歷那些鏡頭中的經典場景，親身感受那些炮火、苦難。
△詹姆斯·納切威在戰場拍攝
在他的個人網站上，這個沉默的戰地攝影師用灰色的字體在漆黑的頁面上寫下這麼一句話：“我是一個見證者，我的照片就是我的證詞。我所記下的事件不該被遺忘，更不該重蹈覆轍。”
△ 一些網友關於《戰地攝影師》的評價
3
《地球之鹽》是一部由維姆·文德斯執導的紀錄片。影片展示了巴西紀實攝影師塞巴斯蒂昂·薩爾加多用相機捕捉到的驚人攝影作品，以及他對自己作品的闡釋和解讀，帶領人們一起走進這位攝影師的傳奇人生。
△《地球之鹽》封面，薩爾加多拍照中。
薩爾加多已經是一位無需多作介紹的攝影師，他在世界各地所拍攝的著作，他對於自己攝影理念的的執著，以及他對於人道主義精神的堅持，讓他成為了活著的傳奇。
導演文德斯為薩爾加多的作品吸引，被他對工作的投入和決心所震撼。有一天薩爾加多問文德斯是否願意加入他和他的兒子胡里亞諾的一場沒有目的地的旅程，因為他們覺得他們需要一個他者的視角，而這段旅程的產物就是這部名叫《地球之鹽》的紀錄片。
△《地球之鹽》
影片除了將薩爾加多的黑白攝影以交織有序“幻燈片”的方式來表述創作理念、再現工作成果之外，還以穿插其間的彩色影像講述他如何用攝影去觀察和審視這個世界。這個世界有著傷痕，也藏著原始的美，薩爾加多閱盡世間種種的罹難悲苦，在最後選擇迴歸於動物和自然，拍出了那些原始的令人震驚的畫面。
△《地球之鹽》
在影片後段，薩爾加多和全家一起在日益乾涸的家族農場種樹，經過多年的不懈努力，荒蕪貧瘠的山間恢復了早年的勃勃生機。他還自願將恢復生機後的綠嶺山谷奉獻為國家森林公園，片末，薩爾加多立於蒼翠蔥蘢之中說道：“在我過世後，這片重新栽種土地上的森林，將又恢復成我出生時的旺盛樣貌。循環得以圓滿。這就是我一生的故事”
△《地球之鹽》
關於影片的標題，有這樣一個典故——法國作家安德烈·紀德臨終時對世界感到絕望，但他收到一封青年讀者從非洲寄來的信，告訴他：“世界美，有希望”。紀德感嘆道：“這話是大地之鹽，為了這鹹味，死可瞑目。”《大地之鹽》正是表達了人對於地球的這一層情感。
△一些網友關於《地球之鹽》的評價
4
這是一部“關於電影的紀錄片”。在這部影片中 ，我們能看到許多經典影片的精彩片段和許多著名攝影（攝像）師的訪談。
他們暢談對攝影（攝像）的看法，以及他們在參與拍攝電影過程，與各個導演合作的經驗。片中還穿插經典片段，對應著攝影師的說法，讓觀眾能更瞭解攝影師的工作與貢獻。
△《光影的魅力》
這部電影按年代劃分為三個部分，第一部分是無聲電影年代。第二部分是帶旁白的黑白電影時期。第三部分是彩色電影時期。影片最後討論瞭如何利用不同的色彩調動觀眾的情緒。
△《光影的魅力》畫面
影片由數百個電影片段組成。影片結束後，你一定會深深地被攝像機背後的靈感和魔法打動。而靜態攝影師也將從中獲益匪淺。這是一部攝影科教片，數百個片段將指導你如何用光，如何選擇合適的色調，如何使你的片子成為經典。
△《光影的魅力》
△一些網友關於《光影的魅力》的評價
5
薇薇安·邁爾被公認為美國當代最重要的街頭攝影師之一，但她卻與大畫家梵高有著類似懷才不遇的情況，一生默默無聞做著保姆，去世後作品才得到挖掘與認可。這種低調而又有實力的境界，類似於金庸筆下的掃地僧。
△薇薇安·邁爾本人自拍
本片導演之一的約翰·馬魯夫此前也從未聽過薇薇安·邁爾的名字，但馬魯夫於2007年在一場拍賣會上無意中買到了她的底片，一時驚為天人，於是他踏上了尋找薇薇安·邁爾的道路。影片展現了一個尋找的過程，通過各種蛛絲馬跡，挖掘藏在背後的動人故事，為我們拼湊出一個薇薇安的完整形象。
△《尋找薇薇安·邁爾》
薇薇安·邁爾本有“街頭攝影”藝術家的天賦與才華，卻將其藏在保姆的身份之下，她默默地在芝加哥、紐約等城市的街頭拍下了十萬張珍貴的照片。她從未把照片展示給人看過，甚至自己也未覽自己拍攝之全貌——她去世後留下了數以萬計的未沖洗的膠捲。
△薇薇安·邁爾作品
直到約翰·馬魯夫將她那些珍貴的圖片沖洗掃描，併發在網絡平臺之上，讓其流傳於世，才讓世人知道有這麼一位攝影師。而她所拍的照片，無論是普通人還是職業攝影師都會為之動容。
△《尋找薇薇安·邁爾》
薇薇安·邁爾無疑是優秀的攝影師，而這個故事的傳奇性則主要在於“生前默默無聞，死後驚豔世人”，在藝術界，這種梵高式的故事本就少之又少，何況是發佈與拍攝同樣重要的攝影領域。試想，今時今日，又有幾個人會拍了好的照片而能忍住不發社交平臺呢？薇薇安·邁爾這種沉默、內斂、自我的攝影精神，或許就是東方人所說的“匠心”了。
△一些網友關於《尋找薇薇安·邁爾》的評價
6
希區柯克的《後窗》，電影史上的經典之作。在影片籌備之初，希區柯克便已決定，全片只用一個場景拍攝。劇組在攝影棚搭建佈景。短短一個月，便在攝影棚裡搭建了包括公寓大樓、小巷、街道、背景天空在內的一系列街景。無論是屋頂花園和消防逃生梯，還是屋內細節擺件，全都一應俱全。
這也成了派拉蒙公司歷史上數一數二的大型內景，在那個年代，其搭建和維護費用就高達 20 萬美元，佔全片100萬美元預算的五分之一，超過演員片酬的總和。如此複雜的佈景，為實際拍攝帶來不少難度，這尤其表現在攝影照明上。為把整棟大樓以及院子照亮，劇組共使用了 3000 盞燈具，創下派拉蒙公司的歷史紀錄。《後窗》也因此成為了影棚佈景、燈光的經典範例。
△《後窗》
希區柯克出品，自然是部懸疑驚悚片，劇情是這樣的：
主角傑弗里斯是個攝影記者，不幸傷了左腿，只得在家靜養七週。百無聊賴的他只能在窗前窺視鄰居們的日常生活以打發時間。而他對面公寓的二樓，住著人造珠寶推銷員拉爾斯及妻子安娜，夫妻之間總是爭吵不斷。
一個雨夜，傑弗里斯看到拉爾斯提著箱子外出數次。次日，傑弗里斯又看到拉爾斯用報紙包裹一把鋸和一把刀。傑弗里斯起了疑心，他懷疑拉爾斯殺害了安娜並分屍拋棄。然而，傑弗里斯並未目擊案發過程，也未見到屍體。那麼真相究竟如何呢？
△《後窗》
這樣的懸疑片不便劇透，預知詳情的讀者可以自行觀影。幾十年來，影片的懸疑劇情早已不是重點，更多的人將“偷窺”行為當做討論的焦點。有人指出觀看這部影片就像雙重觀影，攝影師男主角就是我們這些“觀眾”的化身，他所窺視的公寓樓就像是銀幕，這種形式讓觀眾有了身臨其境的代入感，是個很好的嘗試。
△《後窗》
△一些網友關於《後窗》的評價
7
不可多得的經典。雄奇的世界交織在空想的幻夢之中，當你看過那些磅礴壯麗的景色之後，人生的一切都不一樣了。
△《白日夢想家》
影片劇情：
沃特.密提是一名在《生活》雜誌工作了16年的膠片洗印經理，他性格內向，甚至無法跟心儀的同事謝莉爾開口搭訕。面對生活，他像個旁觀者，時常“放空”做白日英雄夢。
直到有一天公司被併購，雜誌需要做最後一期的封面，而封面成功與否的關鍵是找到狂野攝影師尚恩遺失的一卷膠片，於是，沃特踏上了冒險之旅，前往冰原、大海、喜馬拉雅山……
△《白日夢想家》
△《白日夢想家》對白
電影有向《生活》雜誌等傳統紙媒致敬的意味，也有對膠片時代的緬懷，更是對認真工作生活的“生活愛好者”的讚揚。其實，我們拍出的每一張照片，就是人生中的所有走過的路、賞過的風景、遇見過的人和事。在夢的路上奔跑，在路上看看風光，親身去感受這個世界，記住這個世界，攝影和人生的意義正在於此。
△《白日夢想家》
△一些網友關於《白日夢想家》的評價
8
人生的悲哀不是歷經坎坷，而是在奮力拼搏之後卻發現命運早已註定。斬獲了2005年奧斯卡最佳紀錄片的《小小攝影師的異想世界》，道出了這種無奈。印度加爾各答市某個紅燈區，貧窮和疾病在這裡蔓延，人們的生活沒有任何希望。然而最令人不忍的是這裡的孩子，他們不僅要承受他人歧視的目光，還要過早去面對自己那早已被註定的黑暗命運。
美國導演兼攝影師布里斯基來到加爾各答，拍攝到了一群生於紅燈區的孩子。而孩子們也對她和她的相機產生了興趣，於是她從紐約帶回了不少照相機，這一臺臺小巧精密的機器點燃了孩子們的藝術天分，在陰霾的街區呈現出一片純潔無邪的天地。導演也開始對那些孩子進行攝影培訓，教授他們使用照相機，讓他們記錄身邊的世界。
△導演布里斯基
△小小攝影師
他們希望通過攝影慢慢改變了自己的人生。最終，有些孩子堅持留在了寄宿學校，立志脫離過去，去創造屬於自己的未來。而有的孩子因性格、家庭的原因，掙脫不了殘酷的現實，最終還是回到了以往的生活。但無論結局如何，追求美的要求是一切善良人的本性，孩子們用相機攝下的瞬間，就是他們的財富。
△小攝影師們的作品
△一些網友關於《小小攝影師的異想世界》的評價
9
這是一部關於已故的街拍鼻祖比爾·坎寧安的紀錄片。片成當年，已入耄耋之年的比爾依然是紐約時報的一名攝影師，擁有自己的板面專欄“On the Street”以及“Evening Hours”。他從六十年代起便一直沉迷街拍，並享受工作。在比爾的鏡頭下，不管你是上流名人、普通工人甚至是下城居民，只要你著裝出位有個性，比爾都樂於捕捉你的美。幾乎所有的紐約時尚界人士都認識並尊重這位攝影頑童，就連著名時尚雜誌Vogue的女主編安娜·溫圖爾也說：“我們都為比爾著盛裝。”
然而，這樣一位幾乎把一生都獻給了時尚且功不可沒的老人，依然住在狹小工作室裡，每天騎著自行車上街拍照，不過老人家卻覺得這樣最好，對他來說，拍照以外的任何事都無關緊要，能夠自由地捕捉新鮮，才是他的追求。
△《我們都為比爾著盛裝》
比爾·坎寧安自1960年代起便開始這樣追逐街頭時尚。長達40年的沉澱後，他所拍攝的照片已經成為“紐約市的非官方年鑑”，永遠穿著標誌性藍色工裝夾克，騎著自行車、脖子上掛著一臺 35 毫米相機的他本人也被紐約地標建築保護委員會列為活地標。
△《我們都為比爾著盛裝》
坎寧安喜歡自己的拍攝對象，善於挖掘對方賞心悅目之處。他只用最簡單的攝影設備和材料，他的全部裝備是一部尼康35毫米單反相機再加一個50毫米鏡頭。他拍照時手很快，從不因為調整相機設置而讓人等候。他拒絕擺拍，不喜靜態，因此照片總是充滿活力，動感十足。
△《我們都為比爾著盛裝》
在這部紀錄片接近結尾的地方，坎寧安說：“我只想很坦誠的去做事，但這在紐約幾乎是不可能的，在紐約保持著一種誠實和坦誠的態度真的挺難的，就像是堂吉訶德對抗風車一樣。”
△一些網友關於《我們都為比爾著盛裝》的評價
10
《塵與雪》是一部美得足以令人窒息的紀錄片，它是一部活動的攝影集，每一幀單獨抽出來都可以成為令人駐足觀賞並流連忘返的攝影精品。影片始動於1999年，加拿大籍攝影師格利高裡·考伯特的作品受到許多收藏家的青睞。
在此之後，他的足跡更延伸到埃塞俄比亞、納米比亞、湯加等國家。在那裡，人與大象、鯨魚、花豹、老鷹、山貓等野生動物毫不違和地出現在同一畫面中。他們彼此依靠，和諧共存，言語在絕美的畫面前失去了用途，每次呼吸都成就了靈魂對生命的膜拜。羽變火，火變血，血變骨，骨變髓，髓變塵，塵變雪。生命周而復始，生生不息。這是一次對自然的無上讚頌。
△《塵與雪》
好的動物攝影照片或許有很多，但像格利高裡的《塵與雪》那樣，充滿著詩意、禪意和靈氣的，恐怕不多。看看他鏡頭捕捉到的瞬間——和大象嬉戲印度少女，雄鷹展翅下的緬甸僧侶，同獵豹深情相擁的祖孫二人……眼前這些影像純淨無暇，已存在於世上數千萬年。他成功地在人和野生動物之間尋找到久違了的愛和信賴，畫面中我們看不到任何恐懼和危險。
△格利高裡在拍攝中
△一些網友關於《塵與雪》的評價
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部分資料來源：豆瓣
微信編輯 吳子良
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