爵士樂是一種起源於非洲形成於美國的音樂形式。在它之前是一些更早出現的美國黑人音樂（如藍調、福音歌曲等），而這些音樂是美國黑人根植於其非洲音樂傳統的基礎上，結合他們在現實中的遭遇創作出來的。早期藍調主要表現黑人的悲慘境遇和底層生活狀態（藍調的英文原字Blue除了指‘藍色’之外亦有‘憂鬱’之意），大多比較悽苦。福音歌曲主要是（向上帝）祈求平安，希望得到救贖。爵士樂在其發展過程中除了有黑人音樂的根源外，還吸收了如古典音樂、民族音樂等諸多音樂元素，逐漸形成了今天多門多類的爵士樂，所傳遞的內容也更為多樣，不只是早期的“黑人風格”。

爵士樂的根源

爵士樂源於藍調，是一種從前居住在美國南部的非洲奴隸以及他們的後代們的民間音樂。藍調深受西非文化和音樂傳統的影響，這些奴隸也逐漸成為移居到城市的黑人的音樂家。

爵士樂的真正起源是貧窮。1865年，美國內戰結束，往日黑人奴隸獲得了自由，但是生活依然困苦。他們多數是文盲，唯有靠自己故土培植出的音樂娛樂自己。勞動的號子和農田歌曲是在採摘棉花時唱的，讚美詩歌和聖歌是在種族隔離的教堂裡聚會時唱的，而即興之作則是獨唱歌手在一隻班卓琴伴奏下吟唱的。在教堂中，黑人牧師用英國領唱方式來解決唱歌不懂字的問題。

上世紀之交流行的標準音樂會形式，也就是當時軍樂團和舞會樂隊的音樂，影響了最早的爵士樂的主流表達方式。這些音樂的樂器：銅管樂器，簧管樂器和鼓，成為了爵士樂的基本樂器。

在不到一個世紀的時間內，這種名叫爵士樂的音樂，具有顯著美國特色的音樂從默默無聞、起源於民間的音樂發展成為美國本土產生的最有份量的藝術種類。如今在全世界幾乎每個角落都有人聆聽和演奏它。爵士樂以如此眾多的形式出現，而且每一種形式都相當重要，都保持了自己的特色及獨具的魅力而流傳至今。如果要欣賞各種爵士樂，體會個中種種樂趣，就不能不需要擁有開放的態度，兼容並聽。

巴薩諾瓦 Bossa Nova

巴薩諾瓦(Bossa Nova)是一種融合巴西森巴舞曲和美國酷派爵士的一種“新派爵士樂”，承襲choro和samba-cancao的部分特色而又自成一格，乍聽簡潔輕快。巴薩諾瓦結構複雜；樂器的音階或和絃轉換的行進方式變幻莫測，往往乍聽下以為可以掌握旋律的起落和節奏，和絃一轉換後即捕足不及。它的旋律可以是行板或中板速度進行。

語源

巴薩諾瓦(Bossa Nova)是葡萄牙文，Bossa原意是演奏Samba時的自然風格與氣質，Nova則是新的意思。結合起來，Bossa Nova就是一種融合了傳統巴西森巴(samba)節奏與啼樂(choro)的一種"新派音樂"。正統的Bossa Nova的起源是南美洲巴西土生土長的音樂，之後流傳到北美洲之後廣為爵士樂壇所喜愛，由美國爵士樂手大力推廣。也因此“Bossa Nova是拉丁爵士的一種”的這個印象，已經是後來的事情了。

風格

巴薩諾瓦的字面意思是“新節奏”，原來是一種拉丁音樂，聽起來輕鬆柔和、慵懶甜美、浪漫性感。與傳統南美及拉丁音樂不同的是，巴薩諾瓦不像森巴或倫巴(Rumba)那樣節奏強烈，除擁有南美音樂的熱情外，還帶有一份慵懶和輕鬆的感覺。

歷史

巴薩諾瓦在1950年代末期的巴西興起。 1959年，由法國導演Marcel Camus執導的巴西電影“黑色奧菲斯”(Black Orpheus)勇奪康城電影節、奧斯卡、金球獎三項最佳外語片獎； 帶有巴薩諾瓦風格的電影主題曲“A Felicidade”和“Desafinado”風行一時，人們開始對巴薩諾瓦產生興趣。1960年代美國更掀起一陣巴薩諾瓦風潮，延燒到世界各地，影響了往後1970、80年代的電影及流行音樂。

代表Stan Getz《The Girl from Ipanema》

爵士流行 Jazz Pop

六十年代末期，爵士樂經歷了一次危機，年輕的聽眾喜愛靈魂樂與搖滾樂，老一輩的樂迷則不再迷戀於那些大多數抽象且感情不足的現代爵士樂，爵士樂手意識到如果想挽回聽眾的心，他們勢必要在爵士樂中吸取一些流行音樂的要素，而靈魂樂與搖滾樂就成為他們這種概念最佳來源。這樣的音樂形式通常被稱為融合爵士（Fusion）。

Jazz-Pop就是融合爵士下面的一種形式，爵士流行既保持了布魯斯音階和演唱音色的運用，但同時又把握流行樂的特點：通俗易懂朗朗上口，保證了內容的可傳遞性。

代表Louis Armstrong《What a Wonderful World》

酸性爵士 Acid Jazz

酸爵士（英語：Acid Jazz），又譯迷幻爵士，源於英國英格蘭南部，是爵士樂的一種分支音樂類型，結合了部分靈魂樂、放克音樂（Funk）和迪斯科成分，尤其是循環拍子和調式和聲方面。它在1980年-1990年間開始發展，由最初類似爵士放克（Jazz-funk）風格，轉型至類似電子舞曲和波普音樂的混合。吉爾斯·彼得森（Gilles Peterson）和埃迪·皮爾勒（Eddie Piller）也成立了一家同樣名為“酸爵士”（Acid Jazz Record，簡稱 Acid Jazz）的英國唱片公司，旗下歌手皆會唱酸爵士音樂。唱片公司願意專為酸爵士出唱片，可見它很受歡迎（見右圖）。酸爵士包含很多電子音樂元素，而且很適合作現場即興改版演出，所以歌手都很喜歡在其演唱會演唱酸爵士歌曲。英格蘭樂隊“匿名者”（Incognito）和“新重騎兵”（Brand New Heavies）的演唱尤其著重酸爵士的和絃特質。酸爵士的發展也可算作爵士放克、靈魂爵士的復興。因為多種樂器可作現場即興演出，加上酸爵士特殊的編曲模式，讓唱片騎師的“刮擦”技術得以體現 ─ 這協助諾曼·傑伊（Norman Jay）、吉爾斯·彼得森、帕特里克·福奇（Patrick Forge）等唱片騎師打響知名度。酸爵士的常用樂器包括：薩克斯管、小號、長號、單簧管、鋼琴、吉他、低音提琴、鼓。

代表Massive Attack《Paradise Circus》

非洲爵士 African Jazz

African Jazz是南非的爵士音樂，結合了非洲狂放的節奏，在美國，非洲爵士的形成深受黑人音樂風格的影響。 第一次世界大戰之後，一支來自美國新奧爾良的迪克西蘭樂隊給南非帶來爵士的第一縷聲響。在此期間，昆斯敦成為南非爵士樂發展的要點。

代表Meddy Gerville《Pay An Ké》

古巴爵士 Afro-Cuban Jazz

古巴爵士（Afro-Cuban Jazz），也叫非洲古巴爵士，它被認為是拉丁爵士的發端，也深深影響了拉丁爵士的發展。非裔古巴的打擊樂，融合進了爵士樂的特色，再加入點波普和搖擺樂、放克，便形成了獨一無二的古巴爵士。古巴爵士承襲了古巴音樂微妙寧靜和強而有力的雙重品格，輕佻又不失輕柔。古巴爵士偏重於打擊樂器和旋律，康加鼓Conga、沙槌Maracas、三絃吉他Tres等富有古巴特色的樂器，與傳統管絃樂器交相呼應。拉丁美洲人民天生活潑喜悅，有屬於自己的節奏律動，這種律動也是古巴爵士最重要的節奏模式，它叫Clave Rhythm。由於節奏和旋律都非常活潑跳躍，因此你聽古巴爵士，會情不自禁跟著搖擺起來，無拘無束的音樂氛圍令人陶醉其中。古巴爵士誕生於20世紀40年代早期（另一種說法是20至30年代），它的形成，歸功於Mario Bauzá（馬里奧·鮑扎）、Machito（馬奇託）、Dizzy Gillespie（吉爾斯比）、Chano Pozo（加諾·波佐）這幾位藝術家不懈的努力與推動。

可以毫不誇張地說，古巴爵士之於古巴，就如同巴薩諾瓦之於巴西一樣，它儼然成為了古巴最重要的文化遺產之一。

代表Ibrahim Ferrer《Bruca Maniguá》

先鋒爵士 Avant-Garde Jazz

Avant-Garde最先被用在Free-Jazz運動剛爆炸的時候；拿來形容Ornette Coleman這些樂手；德布希的改變鋼琴史的作法也被視為Avant-Garde，當然；實驗性質強烈的劇場音樂更具有Avant-Garde Jazz的風格。

代表Archie Shepp《Les Feuilles Mortes》

大樂隊 Big Band

一個大樂隊是一種音樂組合，通常由10個或更多的音樂家組成，有4個部分:薩克斯管、小號、長號和節奏部分。大樂團起源於20世紀20年代早期，一直統治著爵士樂直到1950年，儘管不同種類的樂隊，小而大，在那個時期之前和之後都存在。爵士樂的流暢性阻止了精確的定義。大樂隊開始伴奏跳舞。

與小的combos不同的是，像trios或quartets這樣的大部分音樂是即興創作的，由大樂隊演奏的音樂是由大樂隊演奏的，安排的，通常是在樂譜上寫的。書面的安排，稱為圖表，把樂隊分成幾個部分，互相迴應，但也給了空間。大樂團在編曲和樂隊指揮方面發揮了更大的作用。

代表Charlie Parkert《Now's the Time》

波普 Bop

可以看作是現代爵士的前身，由演奏搖擺樂的小樂隊發展而來，注重表現演奏技巧和複雜和聲，而不是演奏適合人演唱的旋律，這種風格影響了以後各種爵士樂。波普的發展為獨奏和伴奏的樂手都開闢了新的天地，產生了許多新意，鼓手開始不再依戀Bass Drum,而開始大量運用Cymbal和Hi-hat.而Bass則擔當低音節奏，演奏著近乎無視於人的遊移四分音符低音旋律，維持著音樂的和絃進行。而鋼琴手則不再過分強調左手的拍子和和絃基礎音，而是喜歡用更輕的觸鍵來演奏。這樣，現代爵士的雛形就產生了。其代表樂手是Lester. Young和Coleman hawkins.

代表Charles McPherson《But Beautiful》

室內爵士 Chamber Jazz

室內爵士是爵士樂流派的一種，深受新古典主義音樂與西洋音樂的古典形態影響，在有些國家也是受到傳統凱爾特音樂，歐洲民間音樂，拉美音樂的影響而成型。

代表Isobel Campbell《Amorino》

冷爵士 Cool Jazz

因為這種樂風常被美國西海岸樂手使用，所以Cool Jazz也被稱為西岸爵士樂(West Coast Jazz)，它可以說恰好是相對於比波普的風格而存在，相對於比波普的快速節拍、複雜的旋律、和絃、曲調，Cool Jazz會輕鬆很多。

1950年，Miles Davis九人小組推出的專輯《The Birth of The Cool》，標誌著Cool爵士的產生。

代表Chet Baker《I Fall in Love Too Easily》

迪克西蘭爵士 Dixieland

迪克西蘭，有時被稱為“熱爵士”或“傳統爵士樂”，是一種爵士樂的風格，它的基礎是20世紀初在新奧爾良發展起來的音樂。

第一個使用“Dixieland”一詞的詞是最初的Dixieland Jass樂隊(其後不久將其名稱的拼寫改為“原始迪克西蘭爵士樂隊”)。他們1917年的錄音培養了大眾對這種新音樂風格的認識。那時，沒有關於爵士樂的亞種的問題，所以“Dixieland”指的是樂隊而不是音樂。復興運動傳統的爵士樂,在反應形成策劃搖擺時代的聲音和感覺混亂的1940年代的新比波普爵士樂聽起來(稱為“中國音樂”路易斯·阿姆斯特朗),把“迪克西蘭爵士樂”從有些忘記為他們支持的音樂樂隊的名字。復興運動包括了20世紀20年代形成的芝加哥風格的元素，比如用絃樂器的低音代替了大號，和絃樂器，以及新奧爾良風格的原始格式。這反映了一個事實，事實上所有的新奧爾良音樂家的曲目都來自於這種形式已經超越了傳統的新奧爾良格式的時期。“迪克西蘭”在這個意義上被認為是指20世紀30年代末到20世紀50年代的爵士樂復興運動，就像任何一種特殊的爵士流派一樣。在風格中被接受的基本元素是傳統的前線，包括小號、長號和單簧管，以及在2拍節奏上的即興演奏。

代表Sidney Bechet《I Can't Get Started》

實驗大樂隊 Experimental Big Band

一個大樂隊是一種音樂組合，通常由10個或更多的音樂家組成，有4個部分:薩克斯管、小號、長號和節奏部分。大樂團起源於20世紀20年代早期，一直統治著爵士樂直到1950年，儘管不同種類的樂隊，小而大，在那個時期之前和之後都存在。爵士樂的流暢性阻止了精確的定義。大樂隊開始伴奏跳舞。

與小的combos不同的是，像trios或quartets這樣的大部分音樂是即興創作的，由大樂隊演奏的音樂是由大樂隊演奏的，安排的，通常是在樂譜上寫的。書面的安排，稱為圖表，把樂隊分成幾個部分，互相迴應，但也給了空間。大樂團在編曲和樂隊指揮方面發揮了更大的作用。

代表Jaga Jazzist《Day》

自由爵士 Free Jazz

自由爵士產生於60年代，這種全新的音樂剛一出現，就深受廣大爵士音樂家和爵士樂迷的喜愛。

自由爵士不同於以往爵士樂，在和聲、旋律方面沒有太多的限制，演奏者在演奏過程中可以自由、大膽、隨心所欲的發揮。自由爵士具有全新的節奏概念，節拍、對稱性被統統打亂，同時，它也強調音樂本身的強度與張力，加入大量的不諧和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音樂融合到了一起，採用了印度的西塔爾琴、塔布拉雙鼓、擴音拇指鋼琴、警笛和大量的電子設備及打擊樂器，因此，有些自由爵士樂隊看上去就象一支非爵士的先鋒派樂隊。

自由爵士樂對60代爵士樂的發展起到了深遠的影響。

代表Pharoah Sanders《Save Our Children》

硬波普 Hard Bop

產生於50年代，是比波普的延伸和與Cool Jazz相對的樂風。它一方面延伸了比波普節奏上的特點，但旋律卻更多采用了藍調和福音歌曲的因素，旋律比特別強調技巧的Bebop要來得輕鬆。

代表Red Garland《Almost Like Being in Love》

融合爵士 Jazz Fusion

二十世紀七十年代，Fusion音樂漸漸發展起來，它的最初定義實際上是一種融合了爵士樂即興和搖滾樂節奏的音樂。然而隨著流行音樂、節奏布魯斯以及各種音樂形式在世界樂壇逐漸繁榮，Fusion音樂又將這些音樂風格加以借鑑，我們現在所熟悉的Fusion音樂，其實已經成為一種冠有爵士樂名稱的混合型音樂。

代表John Scofield《Whatcha See Is Whatcha Get》

調式爵士 Modal Jazz

模式爵士樂是一種使用音樂模式的爵士樂，而不是作為一個調和框架的和絃進行。雖然早期的先例存在，但在1953年的書中，“模態爵士”被作曲家喬治·羅素(George Russell)明確地定義為“色調組織”的Lydian色覺概念。

在20世紀50年代和60年代尤其受歡迎的是，由邁爾斯·戴維斯(Miles Davis)1958年創作的《里程碑》(里程碑)、1959年的專輯《藍色》(Kind of Blue)和約翰·科爾特蘭(John Coltrane)在1960年至1964年的經典四重奏樂隊(John Coltrane)創作的經典四重奏(1960 - 64年)，這兩種風格都直接受到了拉塞爾的啟發。[3]其他一些重要的演員包括伍迪·肖、比爾·埃文斯、赫比·漢考克、韋恩·斯比、麥考伊·泰納、拉里·楊、法奧拉·桑德斯、喬·亨德森、奇克·科瑞亞和鮑比·哈切森。[2]儘管這個術語來自於使用特定的模式(或稱尺度)來創建索洛斯，但是模態爵士樂的組成或伴奏只能使用以下的技巧

1緩慢運動的和聲節奏，在那裡單個和絃可以持續4到16個或更多的測量

2踏板點[4]和無人機

3沒有或抑制標準的功能和絃

4quartal和聲和旋律

5多調性

代表Miles Davis《So What》

新奧爾良爵士 New Orleans Jazz

新奧爾良爵士是指三十年代（指二十世紀，下文中如未作註明均指二十世紀）以前的傳統爵士樂，興起於新奧爾良，盛行於芝加哥，是迪克西蘭爵士（Dixieland Jazz）和芝加哥爵士（Chicago Jazz）的總稱。我們所能聽到的最早的爵士樂就是新奧爾良爵士，它出現於1917年（第一張爵士樂唱片誕生於1917年）。從唱片的音質上辨認，這個時期的唱片大多數都是用留聲機播放的密紋唱片，音質較差，帶有沙沙的噪聲，並且缺乏立體感（第一批立體聲唱片誕生於1958年）。從音樂形象上辨認，新奧爾良爵士講究合奏，給人的感覺是激烈、興奮並充滿生機的。樂隊編制一般為小號（或短號）一至二人吹奏主旋律，單簧管一人吹奏副旋律，長號一人吹奏固定低音，貝司（或大管）、鼓各一人擔任節奏。後來又增加了薩克斯，使其從此成為爵士樂隊的一大特色。新奧爾良爵士作為最早的傳統爵士樂已被歷史永久記載，但是作為有聲爵士樂的源頭，如今聽起來還是別具一番風味。

代表Branford Marsalis《Autumn Lamp》

後波普 Post-Bop

後bop是一種小型組合爵士樂，在20世紀60年代早期發展起來。

後bop是爵士樂從20世紀60年代中期開始，它同化了硬的bop，模式爵士樂，前衛和自由的爵士樂，而不需要立即被立即確認為上面的任何一個。[引文需要]Post-bop可以參考各種爵士樂,post-bebop順序但共識Post-bop音樂反映了這些影響:更開放的爵士樂團結晶方法的第二個邁爾斯·戴維斯五重奏,和這個群體的模態強度以及經典的約翰·柯川四重奏

根據音樂學家傑里米·尤德金的說法，後bop並沒有遵循“bop的慣例，或者是新爵士的無形式的自由”。

他在其定義的子流派中寫道:形式的節奏,和米是自由,所有的曲子都是新的,樂隊成員本身是作曲家....[A]n方法抽象和強烈的極端，有空間創造的節奏和色彩獨立的鼓手。鼓手們有機會進入和走出基本的搖擺節奏和方法，融合了更復雜的風格，模態和絃的和聲，靈活的形式，結構的和絃，旋律的變化，和自由的即興創作。

代表New York Trio《The Things We Did Last Summer》

拉格泰姆 Ragtime

Regtime（拉格泰姆）爵士樂融合了歐洲古典音樂和歐洲軍樂的特點而產生的。他打亂了古典音樂中嚴格的節拍規律，有演奏者掌握節奏的遲緩。樂曲的進行通常是起奏延緩，隨即強調音節，這種風格在當時的鋼琴演奏中極為常見。Regtime爵士樂在二十世紀出的十五年中非常盛行，雖然這種風格對爵士樂的形式具有非常重大的影響但是因為它缺乏Blues的感覺和沒有即興感覺，所以並不能稱之為真正的爵士樂，但卻是爵士樂發展中一種重要的音樂型態，以直立式鋼琴演奏完全寫譜的音樂，並強調切分音，風格略為呆板。

代表Scott Joplin《The Entertainer》

柔順爵士 Smooth Jazz

Smooth Jazz發現到現在已經二十多年了，如果追溯到起源，從各種各樣的檔案資料裡都可以找到，Smooth Jazz是Fusion(融合爵士)的一種衍生物，在其音樂當中，音樂家們不再把他們的精力投入到即興創作及演奏當中去，而是更加註重音樂的旋律化，以及和R&B等其它音樂之間的融合能力。的確， 當George Benson, Bob James, Grover Washington Jr. 等一批Smooth Jazz先驅把這樣一種新型的現代爵士音樂類型帶進唱片公司錄音間的那一時刻開始，Smooth Jazz就註定和“商業”，“流行”，“現代”這些詞彙緊緊聯繫，永不分離。但這些大師們把他們的音樂推銷給千家萬戶以後，很多人都會有這樣的一種感慨：“原來爵士樂還可以這樣玩”。注意，他們提到了“爵士樂”這個詞，可以見得他們的音樂還是爵士音樂，再退一步講，他們音樂的根源是爵士樂而在這二十年來，這樣的一種音樂發生了什麼樣的一種變化呢，其實只要聽聽我開始提到的那三首單曲之後，答案就很明顯了。“Smooth Jazz不再爵士了”。 雖然這樣一個結論不是絕對的，比如大量的以傳統爵士作為根源的Smooth Jazz仍在不斷繼續的發展，但廣義的Smooth Jazz 隊伍明顯龐大了許多，這正是因為越來越多的和爵士音樂並無多少關聯的音樂加入到這個隊伍當中

Smooth Jazz本身就是一種非常時尚的音樂類型，當然要領導這個潮流就需要不斷的變化，在前兩年Chill-Out音樂以及Lounge音樂風靡的時候，很多Smooth Jazz音樂家以及業內人事都嗅到了其在現代爵士音樂領域的巨大商業潛力，很快以Acid-Jazz這種非常電子化的爵士音樂為基礎，加入大量的Ambient元素的音樂開始大行其道，比如英國音樂家Paul Hardcastle的Jazzmassters系列以及Hardcastle系列就是非常典型的範例，而在今年2月又一群歐洲的DJ共同發行的合輯《Rendezvous Lounge》其實是一張地地道道的電子類Down-tempo的音樂唱片，但其發行以及推廣都是在Smooth Jazz領域裡完成的，而且被業內人士打了非常高的分，作為一張經典現代Smooth Jazz來宣傳。這些音樂當中經常也能找到一些爵士的影子，但只不過是用來為他們的時尚音樂點綴罷了。

Smooth Jazz已經不只是代表Smooth了的爵士音樂了，因為Smooth Jazz作為獨立的一種音樂形式的趨勢已經越來越明顯了，而這種獨立不僅僅是在音樂本身，還是發生在所有相關的商業體系。這樣看來，“Smooth Jazz不再爵士”就不奇怪了，甚至成為了這種音樂發展的必然趨勢， 但卻不會被諸如New Age音樂的其它音樂形式所吞併，反而會有可能包容其它的音樂形式，其魅力根源就來自它巨大的商業背景。

代表Dave Koz《I Believe》

靈魂爵士 Soul Jazz

60年代在硬性爵士樂基礎上發展而來、源於福音歌的爵士樂

David Sanborn可以說是近二十年來其中一個最成功將Soul Jazz推廣到群眾的爵士色士風手。

代表Amy Winehouse《Help Yourself》

搖擺樂 Swing

當新奧爾良爵士樂已經創造了即興演奏的合奏之時，爵士樂在二十年代在美國社會逐漸流行起來，同時對於爵士樂的需要要求增加更多的舞蹈樂隊。因此出現了對樂隊的新要求，即在樂隊擁有三支乃至四支號的時候，合奏的地位要降低。1924年，當Louis Armstrong加入了Fletcher Henderson的大樂隊時，就可以算作是搖擺大樂隊最早的出現。樂隊中的唐•雷德曼的編曲大大輝映了短號手的鬆弛的演奏風格。真正搖擺樂在流行樂壇的確立則要算是1935年Benny Goodman大樂隊的成功，直至1946年大樂隊時代的結束為止，搖擺樂一直是美國流行音樂的一支重要的力量。搖擺樂不同於先前的新奧爾良爵士樂和迪克西蘭爵士樂，通常樂隊中的合奏更為簡化，同時是作為更為成熟的獨奏之間的反覆演奏的連復段。而個人的即興演奏也是主要是密切的建立在旋律的基礎之上，其原因主要是由於音樂技法的進步。同以前的演奏相比，獨奏的演繹更具有冒險性。在大樂隊時代結束之後，搖擺樂風格的音樂家仍然堅持這種風格演出，他們的演奏堪稱是一種主流的爵士樂。

代表Robbie Williams《Somethin' Stupid》

第三流派 Third Stream

《第三流》是作曲家Gunther Schuller於1957年創造的一個術語，他在布蘭迪斯大學(Brandeis University)的一場演講中描述了一種音樂流派，它是古典音樂和爵士樂的綜合體。即興創作通常被視為第三流的重要組成部分。

1961年，舒勒將第三條河流定義為“一種介於爵士樂和古典音樂之間的新音樂流派”。Schuller堅持認為“根據定義，沒有‘第三流爵士樂’這樣的東西。”

舒勒指出，儘管第三流的兩派純粹主義者都反對將他們最喜歡的音樂與其他音樂聯繫在一起，但更強烈的反對意見通常是由那些認為這些努力是“對他們傳統的攻擊”的爵士音樂家們提出的。舒勒寫道，“通過將音樂指定為‘獨立的，第三條流’，其他兩條主線可以不受融合的影響而改變。”因為第三流的古典音樂和爵士樂一樣，作曲家和表演者都需要精通這兩種類型。

批評人士認為，第三條河流——通過兩種截然不同的風格——稀釋了它們的力量。[5]有人反對這種觀念，認為第三流是一種有趣的音樂發展。

代表Ralph Towner《Four Comets, Pt. 1》

人聲爵士 Vocal Jazz

Vocal Jazz（人聲爵士） 儘管並不是全部採用人聲爵士，20世紀的人聲爵士演繹大師大都採用爵士語言進行演奏。從Russ Columbo，Doris Day到Johnny Mathis均將其天才與嗓音用於內容的表達。他們放棄了爵士器樂演奏家慣用的演繹標準的方式，而利用其即興演奏的天賦，音樂家的素養，甚至個性化，帶給了歌詞新的意義。早期的一對巨匠，Louis Armstrong，Bing Crosby，留下了人聲爵士的標準：隨意卻不失焦點。幾乎就是當時人聲爵士的專業標準。從大樂隊集中的地區湧現出了大批爵士演唱家，幾乎都是後來的大師級人物：Frank Sinatra， Billie Holiday， Ella Fitzgerald， Anita ODay, Sarah Vaughan，Peggy Lee, Joe Williams；他們均和搖擺舞樂隊共事過很長一段時間，多數在人聲爵士風格開始時因此取得了巨大成功。儘管區分人聲爵士演唱家與傳統流行樂歌手並不總是那麼容易，很多爵士節目單還是以演奏內容來作目錄的。人聲爵士與爵士獨奏家們展開了競爭。他們那時通常拒絕與無名樂隊和具有流行音樂元素的樂隊合作。而選擇與真正天賦稟異的組織者（Nelson Riddle, Billy May）以及真正偉大的作家合作（Irving Berlin, Cole Porter, the Gershwins）。和40, 50年代的人聲爵士演唱家汲取了搖擺舞的風格一樣，後波普歌手們也用他們自己的經驗來演繹瘋狂的節拍，實驗爵士器樂演奏家的獨奏。Lambert, Hendricks, Ross陶醉在狂熱的合聲中，而Betty Carter, Mark Murphy, Abbey Lincoln 則發掘出更激進的即興演奏方式。儘管70到80年代，人聲爵士演奏家日趨減少，還是有很多藝術家堅持不懈，繼續這種風格。

代表Norah Jones《Don't Know Why》

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下一期將給大家介紹搖滾音樂，搖滾樂分幾十上百種種風格！將分為3期講述搖滾音樂的風格和經典試聽！請關注小編繼續收聽觀看！