在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
民族樂器的幾種特性
1、色彩性
色彩，是經常被用來形容配器的一個詞。比如說某作品色彩豔、色彩豐富斑斕等等。可見色彩是配器中很重要的，就如同繪畫中的音色。它是要與音樂表現的內容緊密聯繫的。舉個例子，如果把《江河水》這首樂曲，用《喜洋洋》的織體、節奏等等來編曲，那結果不想而知。其實，僅僅是把編曲稍微改動一下，音樂就會有很大變化，比如把《喜洋洋》的兩隻小笛改成兩隻嗩吶，那就成了喧鬧而不是喜氣洋洋了。
因此編曲的色彩性是很重要的，它一定要緊密聯繫音樂所表現的內容，要運用準確。
2、表現性
民樂樂器不同於西洋樂器之處的很重要的一點就是個性。每件民族樂器都非常有個性。因此合理運用民族樂器的表現性，就是很重要的。
下面，是一些民樂創作中常用的手法：
早晨——用笛聲；水聲——用古箏的滑奏；節日或熱鬧的場景——用吹管樂和打擊樂；歡快場面——用柳琴等彈撥樂和笛子；情緒的增長——用壎、編鐘、鋁板琴、木魚等；驚慌——用笙的不協和和絃；風聲和波濤——吊鈸滾奏……等等。
我們要知道，這些慣用的手法是可行的，也是有效的，然而卻是一般化的。要是成了模式，就沒有獨創性了。藝術作品，就是要有創造性和個性。而不能成了工業標準。
我認為作為一個作曲家，他的編曲作品不可能每部都是完全不同的，但要儘量少用點現成的模式，儘量多一點新鮮的東西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用濫了的東西，但這個階段要短一些，成熟之後就切忌去模仿。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
民族樂器的幾種特性
1、色彩性
色彩，是經常被用來形容配器的一個詞。比如說某作品色彩豔、色彩豐富斑斕等等。可見色彩是配器中很重要的，就如同繪畫中的音色。它是要與音樂表現的內容緊密聯繫的。舉個例子，如果把《江河水》這首樂曲，用《喜洋洋》的織體、節奏等等來編曲，那結果不想而知。其實，僅僅是把編曲稍微改動一下，音樂就會有很大變化，比如把《喜洋洋》的兩隻小笛改成兩隻嗩吶，那就成了喧鬧而不是喜氣洋洋了。
因此編曲的色彩性是很重要的，它一定要緊密聯繫音樂所表現的內容，要運用準確。
2、表現性
民樂樂器不同於西洋樂器之處的很重要的一點就是個性。每件民族樂器都非常有個性。因此合理運用民族樂器的表現性，就是很重要的。
下面，是一些民樂創作中常用的手法：
早晨——用笛聲；水聲——用古箏的滑奏；節日或熱鬧的場景——用吹管樂和打擊樂；歡快場面——用柳琴等彈撥樂和笛子；情緒的增長——用壎、編鐘、鋁板琴、木魚等；驚慌——用笙的不協和和絃；風聲和波濤——吊鈸滾奏……等等。
我們要知道，這些慣用的手法是可行的，也是有效的，然而卻是一般化的。要是成了模式，就沒有獨創性了。藝術作品，就是要有創造性和個性。而不能成了工業標準。
我認為作為一個作曲家，他的編曲作品不可能每部都是完全不同的，但要儘量少用點現成的模式，儘量多一點新鮮的東西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用濫了的東西，但這個階段要短一些，成熟之後就切忌去模仿。
3、對比性
在音樂中，對比是非常關鍵的。編曲切忌完全一樣的大段拷貝。變化不一定要很大，但要有。當然，這也要看音樂的具體內容。在編曲中，對比手法主要有三種：
(1)不同情緒的對比。比如《春江花月夜》的前一段是大全奏、大力度的演奏、而後一段僅用了琵琶、蕭和木魚三件樂器。這是反差很大的對比，反襯出後段悠然自得、有緣深邃的情感。也可以運用音的強弱的增減(借術語及記號使音量增減)。和絃的變化，樂器組的配合，是整個樂曲音樂色彩基於轉變。
(2)旋律相同而配器不同。相同的主旋律，但使用不同的配器，就把同一個旋律做了多側面的表現,使音樂表現出不同的感情.或是更深層次的發展。
(3)樂器的傳遞:此方法簡單的講,就是把簡單的旋律的伴奏樂句連續的依次在各樂器上演奏,這樣可以使短小的旋律句,顯示出快活的氣氛。
4、技巧性
技藝是研習編曲者比較感興趣的一個話題。技藝性包含兩方面，一是演奏樂器的技藝性，也就是演技。二是動用樂器的技藝性，也就是配器的技能。前者是演奏者要研習的，而後者則是我們作曲者要研習的對象。但是，如果沒有對前者的瞭解和熟知，後者就無從談起。打個比方，你連古箏有多少根弦都不知道，就在編曲中使用古箏，這就很可笑了，並且寫出來的音樂也不是理想的。
關於各民族樂器的性能和演奏技巧，就是民族樂器法了。比如這件樂器的音域、聲音特點、演奏技巧等等，我認為這些知識，是作為一箇中國的作曲家所必須熟知的。作為一箇中國的音樂人，連自己的各民族樂器的性能都不知道，可以說是一種悲哀，也是可笑的。所以，我希望學習作曲、編曲的朋友能夠儘量多接觸一些民族音樂，多聽，多看，在校的作曲專業學生應當多接觸民樂專業的同學，去了解民族樂器，當然，還有很多民族管絃樂法的教材可以學習。這些其實是基本功，是死記硬背的東西，希望學習作曲的同仁們能夠重視這點。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
民族樂器的幾種特性
1、色彩性
色彩，是經常被用來形容配器的一個詞。比如說某作品色彩豔、色彩豐富斑斕等等。可見色彩是配器中很重要的，就如同繪畫中的音色。它是要與音樂表現的內容緊密聯繫的。舉個例子，如果把《江河水》這首樂曲，用《喜洋洋》的織體、節奏等等來編曲，那結果不想而知。其實，僅僅是把編曲稍微改動一下，音樂就會有很大變化，比如把《喜洋洋》的兩隻小笛改成兩隻嗩吶，那就成了喧鬧而不是喜氣洋洋了。
因此編曲的色彩性是很重要的，它一定要緊密聯繫音樂所表現的內容，要運用準確。
2、表現性
民樂樂器不同於西洋樂器之處的很重要的一點就是個性。每件民族樂器都非常有個性。因此合理運用民族樂器的表現性，就是很重要的。
下面，是一些民樂創作中常用的手法：
早晨——用笛聲；水聲——用古箏的滑奏；節日或熱鬧的場景——用吹管樂和打擊樂；歡快場面——用柳琴等彈撥樂和笛子；情緒的增長——用壎、編鐘、鋁板琴、木魚等；驚慌——用笙的不協和和絃；風聲和波濤——吊鈸滾奏……等等。
我們要知道，這些慣用的手法是可行的，也是有效的，然而卻是一般化的。要是成了模式，就沒有獨創性了。藝術作品，就是要有創造性和個性。而不能成了工業標準。
我認為作為一個作曲家，他的編曲作品不可能每部都是完全不同的，但要儘量少用點現成的模式，儘量多一點新鮮的東西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用濫了的東西，但這個階段要短一些，成熟之後就切忌去模仿。
3、對比性
在音樂中，對比是非常關鍵的。編曲切忌完全一樣的大段拷貝。變化不一定要很大，但要有。當然，這也要看音樂的具體內容。在編曲中，對比手法主要有三種：
(1)不同情緒的對比。比如《春江花月夜》的前一段是大全奏、大力度的演奏、而後一段僅用了琵琶、蕭和木魚三件樂器。這是反差很大的對比，反襯出後段悠然自得、有緣深邃的情感。也可以運用音的強弱的增減(借術語及記號使音量增減)。和絃的變化，樂器組的配合，是整個樂曲音樂色彩基於轉變。
(2)旋律相同而配器不同。相同的主旋律，但使用不同的配器，就把同一個旋律做了多側面的表現,使音樂表現出不同的感情.或是更深層次的發展。
(3)樂器的傳遞:此方法簡單的講,就是把簡單的旋律的伴奏樂句連續的依次在各樂器上演奏,這樣可以使短小的旋律句,顯示出快活的氣氛。
4、技巧性
技藝是研習編曲者比較感興趣的一個話題。技藝性包含兩方面，一是演奏樂器的技藝性，也就是演技。二是動用樂器的技藝性，也就是配器的技能。前者是演奏者要研習的，而後者則是我們作曲者要研習的對象。但是，如果沒有對前者的瞭解和熟知，後者就無從談起。打個比方，你連古箏有多少根弦都不知道，就在編曲中使用古箏，這就很可笑了，並且寫出來的音樂也不是理想的。
關於各民族樂器的性能和演奏技巧，就是民族樂器法了。比如這件樂器的音域、聲音特點、演奏技巧等等，我認為這些知識，是作為一箇中國的作曲家所必須熟知的。作為一箇中國的音樂人，連自己的各民族樂器的性能都不知道，可以說是一種悲哀，也是可笑的。所以，我希望學習作曲、編曲的朋友能夠儘量多接觸一些民族音樂，多聽，多看，在校的作曲專業學生應當多接觸民樂專業的同學，去了解民族樂器，當然，還有很多民族管絃樂法的教材可以學習。這些其實是基本功，是死記硬背的東西，希望學習作曲的同仁們能夠重視這點。
三、配器寫作應具備的條件與音色融合
在進行配器的寫作前，首先具備幾個條件：
首先是樂器的知識。這一點確實是重要的。比如絃樂、彈撥等各種樂器的構定弦、演奏技法、音域以及管樂的佳良音區和極限音區等等。都是要必須知道的。
其次就是記譜。民樂中有實際音高記譜的樂器，也有高八度或者低八度記譜的樂器。還有一些樂器用中音譜號記譜。作曲者要確定自己的記譜法，確定了就不要再更改了，以免混亂。如果是簡譜來寫總譜，那麼首先要確定中央C在自己寫的音樂中是哪個調，哪個音，是否要打高低八度點。這些都確定了，再按管、彈、打、拉的次序計入總譜。
如果記譜上出現問題，就會給排練和錄音帶來不少麻煩。尤其是簡譜的總譜，有的作者幾乎是一行一個標準，要是轉調就更亂套了，簡直讓指揮家頭疼。作為專業的作曲，民樂的總譜應當用標準的五線譜來寫，給演奏員一般是簡譜總譜。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
民族樂器的幾種特性
1、色彩性
色彩，是經常被用來形容配器的一個詞。比如說某作品色彩豔、色彩豐富斑斕等等。可見色彩是配器中很重要的，就如同繪畫中的音色。它是要與音樂表現的內容緊密聯繫的。舉個例子，如果把《江河水》這首樂曲，用《喜洋洋》的織體、節奏等等來編曲，那結果不想而知。其實，僅僅是把編曲稍微改動一下，音樂就會有很大變化，比如把《喜洋洋》的兩隻小笛改成兩隻嗩吶，那就成了喧鬧而不是喜氣洋洋了。
因此編曲的色彩性是很重要的，它一定要緊密聯繫音樂所表現的內容，要運用準確。
2、表現性
民樂樂器不同於西洋樂器之處的很重要的一點就是個性。每件民族樂器都非常有個性。因此合理運用民族樂器的表現性，就是很重要的。
下面，是一些民樂創作中常用的手法：
早晨——用笛聲；水聲——用古箏的滑奏；節日或熱鬧的場景——用吹管樂和打擊樂；歡快場面——用柳琴等彈撥樂和笛子；情緒的增長——用壎、編鐘、鋁板琴、木魚等；驚慌——用笙的不協和和絃；風聲和波濤——吊鈸滾奏……等等。
我們要知道，這些慣用的手法是可行的，也是有效的，然而卻是一般化的。要是成了模式，就沒有獨創性了。藝術作品，就是要有創造性和個性。而不能成了工業標準。
我認為作為一個作曲家，他的編曲作品不可能每部都是完全不同的，但要儘量少用點現成的模式，儘量多一點新鮮的東西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用濫了的東西，但這個階段要短一些，成熟之後就切忌去模仿。
3、對比性
在音樂中，對比是非常關鍵的。編曲切忌完全一樣的大段拷貝。變化不一定要很大，但要有。當然，這也要看音樂的具體內容。在編曲中，對比手法主要有三種：
(1)不同情緒的對比。比如《春江花月夜》的前一段是大全奏、大力度的演奏、而後一段僅用了琵琶、蕭和木魚三件樂器。這是反差很大的對比，反襯出後段悠然自得、有緣深邃的情感。也可以運用音的強弱的增減(借術語及記號使音量增減)。和絃的變化，樂器組的配合，是整個樂曲音樂色彩基於轉變。
(2)旋律相同而配器不同。相同的主旋律，但使用不同的配器，就把同一個旋律做了多側面的表現,使音樂表現出不同的感情.或是更深層次的發展。
(3)樂器的傳遞:此方法簡單的講,就是把簡單的旋律的伴奏樂句連續的依次在各樂器上演奏,這樣可以使短小的旋律句,顯示出快活的氣氛。
4、技巧性
技藝是研習編曲者比較感興趣的一個話題。技藝性包含兩方面，一是演奏樂器的技藝性，也就是演技。二是動用樂器的技藝性，也就是配器的技能。前者是演奏者要研習的，而後者則是我們作曲者要研習的對象。但是，如果沒有對前者的瞭解和熟知，後者就無從談起。打個比方，你連古箏有多少根弦都不知道，就在編曲中使用古箏，這就很可笑了，並且寫出來的音樂也不是理想的。
關於各民族樂器的性能和演奏技巧，就是民族樂器法了。比如這件樂器的音域、聲音特點、演奏技巧等等，我認為這些知識，是作為一箇中國的作曲家所必須熟知的。作為一箇中國的音樂人，連自己的各民族樂器的性能都不知道，可以說是一種悲哀，也是可笑的。所以，我希望學習作曲、編曲的朋友能夠儘量多接觸一些民族音樂，多聽，多看，在校的作曲專業學生應當多接觸民樂專業的同學，去了解民族樂器，當然，還有很多民族管絃樂法的教材可以學習。這些其實是基本功，是死記硬背的東西，希望學習作曲的同仁們能夠重視這點。
三、配器寫作應具備的條件與音色融合
在進行配器的寫作前，首先具備幾個條件：
首先是樂器的知識。這一點確實是重要的。比如絃樂、彈撥等各種樂器的構定弦、演奏技法、音域以及管樂的佳良音區和極限音區等等。都是要必須知道的。
其次就是記譜。民樂中有實際音高記譜的樂器，也有高八度或者低八度記譜的樂器。還有一些樂器用中音譜號記譜。作曲者要確定自己的記譜法，確定了就不要再更改了，以免混亂。如果是簡譜來寫總譜，那麼首先要確定中央C在自己寫的音樂中是哪個調，哪個音，是否要打高低八度點。這些都確定了，再按管、彈、打、拉的次序計入總譜。
如果記譜上出現問題，就會給排練和錄音帶來不少麻煩。尤其是簡譜的總譜，有的作者幾乎是一行一個標準，要是轉調就更亂套了，簡直讓指揮家頭疼。作為專業的作曲，民樂的總譜應當用標準的五線譜來寫，給演奏員一般是簡譜總譜。
接下來說一說作品的音色融合......
音色融合猶如化學中的化學反應一樣，不同樂器的組合，可以帶來不同的音響效果，或者說是歌曲的意境。以下談談根據樂曲需要而組合不同的樂器組。
（1） 彈撥樂器與拉絃樂器結合的旋律
這兩組樂器間的各種旋律位置的配合進行，一般都能產生較均衡的共鳴效果，音色自然，音質、音量相當調和，因為絃樂的柔和會被彈撥的清脆所補充，而彈撥的顆粒，又會被絃樂的拉弓所軟化，因而不少優美動聽的大段旋律經常在發展到一定階段就要用絃樂與彈撥的混合音色來演奏。
高胡+柳琴 剛勁
高胡+揚琴 透明
二胡+琵琶 優美
中胡+中阮 含蓄
大胡+三絃 雄厚
（2） 拉絃樂器與吹管樂器結合的旋律
拉絃樂器與吹管樂器結合特別融合，在管、笙、笛、蕭、嗩吶等管樂器中，最易於與絃樂組合結合的是笛、笙兩種。在編制不大的民樂合奏的戲曲樂隊中，拉絃樂器與吹管樂器的結合，是最強有力的旋律的一種重要表現方式。
同度結合：
笛子+ 板胡 銳利
蕭 + 二胡 柔美
高音笙+二胡 甘美
低音笙+大胡 厚實
（3） 吹、彈、拉、三組樂器結合的旋律
民樂隊中三組全體同奏旋律是常見，它的音色協調，音響效果堅實，圓潤並豐滿，在樂曲關鍵處用旋律手法能把音樂形象清晰而有力的表現出來。這三組樂器大多數情況是分別組合使用的。它能充實旋律，增加共鳴，強化管樂，融化彈撥，在寫民樂隊時常常採用三種混合旋律音色的配法，在各種樂器間如果選擇得當，其趣味無窮。
把吹、彈、拉、三組樂器中的某些樂器作同度、八度齊奏的用法，是民間絲竹樂的基本配法，各個樂器的旋律可以有些差異。而在新型的民樂隊中採用時，則常作嚴格的重複。其結合可分高、中、低三個音區來處理：
高音旋律：
吹：梆笛、曲笛、新笛、高音笙、高音嗩吶
彈：柳琴、揚琴、琵琶
拉：板胡、高胡、二胡
中音旋律：
吹：中音笙、喉管、中音嗩吶
彈：中阮、三絃、琵琶、揚琴
拉：中胡、大胡
低音旋律：
吹：低音笙、低音嗩吶、低管
彈：大阮、三絃、揚琴
拉：大胡、低胡
總之，絃樂群善於表現歌唱性旋律，也可以勝任歡快輕鬆的旋律奏。在合奏中無論是混合音色還是單一音色都能產生美好的音樂效果；彈撥群是民樂中具有獨特表現力的樂器，由於種類繁多，使得色調豐富，演奏節奏明快、生動、活潑的旋律；管樂群則因各自個性較強，音量不易控制的弱點，所以使用起來要特別小心，一般用於突出旋律，在造成高潮之時往往動用三組旋律音色。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
民族樂器的幾種特性
1、色彩性
色彩，是經常被用來形容配器的一個詞。比如說某作品色彩豔、色彩豐富斑斕等等。可見色彩是配器中很重要的，就如同繪畫中的音色。它是要與音樂表現的內容緊密聯繫的。舉個例子，如果把《江河水》這首樂曲，用《喜洋洋》的織體、節奏等等來編曲，那結果不想而知。其實，僅僅是把編曲稍微改動一下，音樂就會有很大變化，比如把《喜洋洋》的兩隻小笛改成兩隻嗩吶，那就成了喧鬧而不是喜氣洋洋了。
因此編曲的色彩性是很重要的，它一定要緊密聯繫音樂所表現的內容，要運用準確。
2、表現性
民樂樂器不同於西洋樂器之處的很重要的一點就是個性。每件民族樂器都非常有個性。因此合理運用民族樂器的表現性，就是很重要的。
下面，是一些民樂創作中常用的手法：
早晨——用笛聲；水聲——用古箏的滑奏；節日或熱鬧的場景——用吹管樂和打擊樂；歡快場面——用柳琴等彈撥樂和笛子；情緒的增長——用壎、編鐘、鋁板琴、木魚等；驚慌——用笙的不協和和絃；風聲和波濤——吊鈸滾奏……等等。
我們要知道，這些慣用的手法是可行的，也是有效的，然而卻是一般化的。要是成了模式，就沒有獨創性了。藝術作品，就是要有創造性和個性。而不能成了工業標準。
我認為作為一個作曲家，他的編曲作品不可能每部都是完全不同的，但要儘量少用點現成的模式，儘量多一點新鮮的東西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用濫了的東西，但這個階段要短一些，成熟之後就切忌去模仿。
3、對比性
在音樂中，對比是非常關鍵的。編曲切忌完全一樣的大段拷貝。變化不一定要很大，但要有。當然，這也要看音樂的具體內容。在編曲中，對比手法主要有三種：
(1)不同情緒的對比。比如《春江花月夜》的前一段是大全奏、大力度的演奏、而後一段僅用了琵琶、蕭和木魚三件樂器。這是反差很大的對比，反襯出後段悠然自得、有緣深邃的情感。也可以運用音的強弱的增減(借術語及記號使音量增減)。和絃的變化，樂器組的配合，是整個樂曲音樂色彩基於轉變。
(2)旋律相同而配器不同。相同的主旋律，但使用不同的配器，就把同一個旋律做了多側面的表現,使音樂表現出不同的感情.或是更深層次的發展。
(3)樂器的傳遞:此方法簡單的講,就是把簡單的旋律的伴奏樂句連續的依次在各樂器上演奏,這樣可以使短小的旋律句,顯示出快活的氣氛。
4、技巧性
技藝是研習編曲者比較感興趣的一個話題。技藝性包含兩方面，一是演奏樂器的技藝性，也就是演技。二是動用樂器的技藝性，也就是配器的技能。前者是演奏者要研習的，而後者則是我們作曲者要研習的對象。但是，如果沒有對前者的瞭解和熟知，後者就無從談起。打個比方，你連古箏有多少根弦都不知道，就在編曲中使用古箏，這就很可笑了，並且寫出來的音樂也不是理想的。
關於各民族樂器的性能和演奏技巧，就是民族樂器法了。比如這件樂器的音域、聲音特點、演奏技巧等等，我認為這些知識，是作為一箇中國的作曲家所必須熟知的。作為一箇中國的音樂人，連自己的各民族樂器的性能都不知道，可以說是一種悲哀，也是可笑的。所以，我希望學習作曲、編曲的朋友能夠儘量多接觸一些民族音樂，多聽，多看，在校的作曲專業學生應當多接觸民樂專業的同學，去了解民族樂器，當然，還有很多民族管絃樂法的教材可以學習。這些其實是基本功，是死記硬背的東西，希望學習作曲的同仁們能夠重視這點。
三、配器寫作應具備的條件與音色融合
在進行配器的寫作前，首先具備幾個條件：
首先是樂器的知識。這一點確實是重要的。比如絃樂、彈撥等各種樂器的構定弦、演奏技法、音域以及管樂的佳良音區和極限音區等等。都是要必須知道的。
其次就是記譜。民樂中有實際音高記譜的樂器，也有高八度或者低八度記譜的樂器。還有一些樂器用中音譜號記譜。作曲者要確定自己的記譜法，確定了就不要再更改了，以免混亂。如果是簡譜來寫總譜，那麼首先要確定中央C在自己寫的音樂中是哪個調，哪個音，是否要打高低八度點。這些都確定了，再按管、彈、打、拉的次序計入總譜。
如果記譜上出現問題，就會給排練和錄音帶來不少麻煩。尤其是簡譜的總譜，有的作者幾乎是一行一個標準，要是轉調就更亂套了，簡直讓指揮家頭疼。作為專業的作曲，民樂的總譜應當用標準的五線譜來寫，給演奏員一般是簡譜總譜。
接下來說一說作品的音色融合......
音色融合猶如化學中的化學反應一樣，不同樂器的組合，可以帶來不同的音響效果，或者說是歌曲的意境。以下談談根據樂曲需要而組合不同的樂器組。
（1） 彈撥樂器與拉絃樂器結合的旋律
這兩組樂器間的各種旋律位置的配合進行，一般都能產生較均衡的共鳴效果，音色自然，音質、音量相當調和，因為絃樂的柔和會被彈撥的清脆所補充，而彈撥的顆粒，又會被絃樂的拉弓所軟化，因而不少優美動聽的大段旋律經常在發展到一定階段就要用絃樂與彈撥的混合音色來演奏。
高胡+柳琴 剛勁
高胡+揚琴 透明
二胡+琵琶 優美
中胡+中阮 含蓄
大胡+三絃 雄厚
（2） 拉絃樂器與吹管樂器結合的旋律
拉絃樂器與吹管樂器結合特別融合，在管、笙、笛、蕭、嗩吶等管樂器中，最易於與絃樂組合結合的是笛、笙兩種。在編制不大的民樂合奏的戲曲樂隊中，拉絃樂器與吹管樂器的結合，是最強有力的旋律的一種重要表現方式。
同度結合：
笛子+ 板胡 銳利
蕭 + 二胡 柔美
高音笙+二胡 甘美
低音笙+大胡 厚實
（3） 吹、彈、拉、三組樂器結合的旋律
民樂隊中三組全體同奏旋律是常見，它的音色協調，音響效果堅實，圓潤並豐滿，在樂曲關鍵處用旋律手法能把音樂形象清晰而有力的表現出來。這三組樂器大多數情況是分別組合使用的。它能充實旋律，增加共鳴，強化管樂，融化彈撥，在寫民樂隊時常常採用三種混合旋律音色的配法，在各種樂器間如果選擇得當，其趣味無窮。
把吹、彈、拉、三組樂器中的某些樂器作同度、八度齊奏的用法，是民間絲竹樂的基本配法，各個樂器的旋律可以有些差異。而在新型的民樂隊中採用時，則常作嚴格的重複。其結合可分高、中、低三個音區來處理：
高音旋律：
吹：梆笛、曲笛、新笛、高音笙、高音嗩吶
彈：柳琴、揚琴、琵琶
拉：板胡、高胡、二胡
中音旋律：
吹：中音笙、喉管、中音嗩吶
彈：中阮、三絃、琵琶、揚琴
拉：中胡、大胡
低音旋律：
吹：低音笙、低音嗩吶、低管
彈：大阮、三絃、揚琴
拉：大胡、低胡
總之，絃樂群善於表現歌唱性旋律，也可以勝任歡快輕鬆的旋律奏。在合奏中無論是混合音色還是單一音色都能產生美好的音樂效果；彈撥群是民樂中具有獨特表現力的樂器，由於種類繁多，使得色調豐富，演奏節奏明快、生動、活潑的旋律；管樂群則因各自個性較強，音量不易控制的弱點，所以使用起來要特別小心，一般用於突出旋律，在造成高潮之時往往動用三組旋律音色。
四、如何修飾作品
當作品排練的時候，或者是在電腦上使用採樣音色編曲的時候，如果你覺得某處配器不盡人意，可以立即修改。比如，一般旋律由竹笛演奏，如果音色太亮，不適合這個旋律，你可以進行修改，更換樂器演奏。選用高音笙在中低音區演奏，就避免了尖銳感，而保持了一定的明亮度。如果改成曲笛在中音區演奏，情緒色彩就又變了。可見，樂器音色選擇的變化，對音樂的表現是有很大影響的。
在民族風格的音樂編曲中，由一種樂器作為主奏，擔任旋律聲部的情況很多。除了旋律樂器之外，往往使用其他“鋪底”樂器，比如絃樂，或者各種合成PAD音色。旋律樂器在音樂中的位置一般有三種：
旋律樂器在和聲之上，無論和聲是由一群樂器或者一件樂器，或者合成音色的鋪底，這種情況都叫做“上置”。比如一支竹笛在PAD音色鋪底上獨奏。
旋律音色包在和聲之中，這種手法稱之為“下置”。比如一隻蕭的低音區和絃樂群的高音區。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
民族樂器的幾種特性
1、色彩性
色彩，是經常被用來形容配器的一個詞。比如說某作品色彩豔、色彩豐富斑斕等等。可見色彩是配器中很重要的，就如同繪畫中的音色。它是要與音樂表現的內容緊密聯繫的。舉個例子，如果把《江河水》這首樂曲，用《喜洋洋》的織體、節奏等等來編曲，那結果不想而知。其實，僅僅是把編曲稍微改動一下，音樂就會有很大變化，比如把《喜洋洋》的兩隻小笛改成兩隻嗩吶，那就成了喧鬧而不是喜氣洋洋了。
因此編曲的色彩性是很重要的，它一定要緊密聯繫音樂所表現的內容，要運用準確。
2、表現性
民樂樂器不同於西洋樂器之處的很重要的一點就是個性。每件民族樂器都非常有個性。因此合理運用民族樂器的表現性，就是很重要的。
下面，是一些民樂創作中常用的手法：
早晨——用笛聲；水聲——用古箏的滑奏；節日或熱鬧的場景——用吹管樂和打擊樂；歡快場面——用柳琴等彈撥樂和笛子；情緒的增長——用壎、編鐘、鋁板琴、木魚等；驚慌——用笙的不協和和絃；風聲和波濤——吊鈸滾奏……等等。
我們要知道，這些慣用的手法是可行的，也是有效的，然而卻是一般化的。要是成了模式，就沒有獨創性了。藝術作品，就是要有創造性和個性。而不能成了工業標準。
我認為作為一個作曲家，他的編曲作品不可能每部都是完全不同的，但要儘量少用點現成的模式，儘量多一點新鮮的東西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用濫了的東西，但這個階段要短一些，成熟之後就切忌去模仿。
3、對比性
在音樂中，對比是非常關鍵的。編曲切忌完全一樣的大段拷貝。變化不一定要很大，但要有。當然，這也要看音樂的具體內容。在編曲中，對比手法主要有三種：
(1)不同情緒的對比。比如《春江花月夜》的前一段是大全奏、大力度的演奏、而後一段僅用了琵琶、蕭和木魚三件樂器。這是反差很大的對比，反襯出後段悠然自得、有緣深邃的情感。也可以運用音的強弱的增減(借術語及記號使音量增減)。和絃的變化，樂器組的配合，是整個樂曲音樂色彩基於轉變。
(2)旋律相同而配器不同。相同的主旋律，但使用不同的配器，就把同一個旋律做了多側面的表現,使音樂表現出不同的感情.或是更深層次的發展。
(3)樂器的傳遞:此方法簡單的講,就是把簡單的旋律的伴奏樂句連續的依次在各樂器上演奏,這樣可以使短小的旋律句,顯示出快活的氣氛。
4、技巧性
技藝是研習編曲者比較感興趣的一個話題。技藝性包含兩方面，一是演奏樂器的技藝性，也就是演技。二是動用樂器的技藝性，也就是配器的技能。前者是演奏者要研習的，而後者則是我們作曲者要研習的對象。但是，如果沒有對前者的瞭解和熟知，後者就無從談起。打個比方，你連古箏有多少根弦都不知道，就在編曲中使用古箏，這就很可笑了，並且寫出來的音樂也不是理想的。
關於各民族樂器的性能和演奏技巧，就是民族樂器法了。比如這件樂器的音域、聲音特點、演奏技巧等等，我認為這些知識，是作為一箇中國的作曲家所必須熟知的。作為一箇中國的音樂人，連自己的各民族樂器的性能都不知道，可以說是一種悲哀，也是可笑的。所以，我希望學習作曲、編曲的朋友能夠儘量多接觸一些民族音樂，多聽，多看，在校的作曲專業學生應當多接觸民樂專業的同學，去了解民族樂器，當然，還有很多民族管絃樂法的教材可以學習。這些其實是基本功，是死記硬背的東西，希望學習作曲的同仁們能夠重視這點。
三、配器寫作應具備的條件與音色融合
在進行配器的寫作前，首先具備幾個條件：
首先是樂器的知識。這一點確實是重要的。比如絃樂、彈撥等各種樂器的構定弦、演奏技法、音域以及管樂的佳良音區和極限音區等等。都是要必須知道的。
其次就是記譜。民樂中有實際音高記譜的樂器，也有高八度或者低八度記譜的樂器。還有一些樂器用中音譜號記譜。作曲者要確定自己的記譜法，確定了就不要再更改了，以免混亂。如果是簡譜來寫總譜，那麼首先要確定中央C在自己寫的音樂中是哪個調，哪個音，是否要打高低八度點。這些都確定了，再按管、彈、打、拉的次序計入總譜。
如果記譜上出現問題，就會給排練和錄音帶來不少麻煩。尤其是簡譜的總譜，有的作者幾乎是一行一個標準，要是轉調就更亂套了，簡直讓指揮家頭疼。作為專業的作曲，民樂的總譜應當用標準的五線譜來寫，給演奏員一般是簡譜總譜。
接下來說一說作品的音色融合......
音色融合猶如化學中的化學反應一樣，不同樂器的組合，可以帶來不同的音響效果，或者說是歌曲的意境。以下談談根據樂曲需要而組合不同的樂器組。
（1） 彈撥樂器與拉絃樂器結合的旋律
這兩組樂器間的各種旋律位置的配合進行，一般都能產生較均衡的共鳴效果，音色自然，音質、音量相當調和，因為絃樂的柔和會被彈撥的清脆所補充，而彈撥的顆粒，又會被絃樂的拉弓所軟化，因而不少優美動聽的大段旋律經常在發展到一定階段就要用絃樂與彈撥的混合音色來演奏。
高胡+柳琴 剛勁
高胡+揚琴 透明
二胡+琵琶 優美
中胡+中阮 含蓄
大胡+三絃 雄厚
（2） 拉絃樂器與吹管樂器結合的旋律
拉絃樂器與吹管樂器結合特別融合，在管、笙、笛、蕭、嗩吶等管樂器中，最易於與絃樂組合結合的是笛、笙兩種。在編制不大的民樂合奏的戲曲樂隊中，拉絃樂器與吹管樂器的結合，是最強有力的旋律的一種重要表現方式。
同度結合：
笛子+ 板胡 銳利
蕭 + 二胡 柔美
高音笙+二胡 甘美
低音笙+大胡 厚實
（3） 吹、彈、拉、三組樂器結合的旋律
民樂隊中三組全體同奏旋律是常見，它的音色協調，音響效果堅實，圓潤並豐滿，在樂曲關鍵處用旋律手法能把音樂形象清晰而有力的表現出來。這三組樂器大多數情況是分別組合使用的。它能充實旋律，增加共鳴，強化管樂，融化彈撥，在寫民樂隊時常常採用三種混合旋律音色的配法，在各種樂器間如果選擇得當，其趣味無窮。
把吹、彈、拉、三組樂器中的某些樂器作同度、八度齊奏的用法，是民間絲竹樂的基本配法，各個樂器的旋律可以有些差異。而在新型的民樂隊中採用時，則常作嚴格的重複。其結合可分高、中、低三個音區來處理：
高音旋律：
吹：梆笛、曲笛、新笛、高音笙、高音嗩吶
彈：柳琴、揚琴、琵琶
拉：板胡、高胡、二胡
中音旋律：
吹：中音笙、喉管、中音嗩吶
彈：中阮、三絃、琵琶、揚琴
拉：中胡、大胡
低音旋律：
吹：低音笙、低音嗩吶、低管
彈：大阮、三絃、揚琴
拉：大胡、低胡
總之，絃樂群善於表現歌唱性旋律，也可以勝任歡快輕鬆的旋律奏。在合奏中無論是混合音色還是單一音色都能產生美好的音樂效果；彈撥群是民樂中具有獨特表現力的樂器，由於種類繁多，使得色調豐富，演奏節奏明快、生動、活潑的旋律；管樂群則因各自個性較強，音量不易控制的弱點，所以使用起來要特別小心，一般用於突出旋律，在造成高潮之時往往動用三組旋律音色。
四、如何修飾作品
當作品排練的時候，或者是在電腦上使用採樣音色編曲的時候，如果你覺得某處配器不盡人意，可以立即修改。比如，一般旋律由竹笛演奏，如果音色太亮，不適合這個旋律，你可以進行修改，更換樂器演奏。選用高音笙在中低音區演奏，就避免了尖銳感，而保持了一定的明亮度。如果改成曲笛在中音區演奏，情緒色彩就又變了。可見，樂器音色選擇的變化，對音樂的表現是有很大影響的。
在民族風格的音樂編曲中，由一種樂器作為主奏，擔任旋律聲部的情況很多。除了旋律樂器之外，往往使用其他“鋪底”樂器，比如絃樂，或者各種合成PAD音色。旋律樂器在音樂中的位置一般有三種：
旋律樂器在和聲之上，無論和聲是由一群樂器或者一件樂器，或者合成音色的鋪底，這種情況都叫做“上置”。比如一支竹笛在PAD音色鋪底上獨奏。
旋律音色包在和聲之中，這種手法稱之為“下置”。比如一隻蕭的低音區和絃樂群的高音區。
此外，還有一些常用的辦法是可以用生活語言來稱呼的，由於現在我們錄音都採取分軌制的辦法，各聲部在音頻編輯系統中都各自是獨立的音軌，因此在編曲中可以隨意進行編輯。下面說一些手段：
（1）“開天窗”：由於旋律上邊的配器太厚，覆蓋太重，旋律聽不清，於是把覆蓋主旋律的聲部取消，旋律就聽清楚了。當然，不能做有損音樂的事情，比如覆蓋的部分中有復調因素或者承擔著重要的和聲效果，就不能刪去。
（2）“塞枕頭”：這與上面的例子正好相反。旋律清楚但總的音響發空、無力，而這又不是作品所要求的效果，這時我們就可以填充一些內聲部的樂器。通常是和聲長音，比如PAD類音色等等。
（3）“加厚”：在音響顯得單薄時，用同族的其他樂器做同度的補充，如高胡不足就補充二胡和中胡。柳琴不足就補充琵琶和揚琴。另外，也完全可以嘗試其它音色，包括合成音色和西洋音色。比如二胡群顯得單薄一點，給它疊上一軌絃樂群音色，馬上就飽滿了很多，但又不影響二胡的感覺。聽上去依然是二胡群。
（4）“去薄”：和上面的相反，如果聲音渾濁笨重，可以去掉一些低音聲部或同度重複分樂器，直到聲音清晰、比例合適為止。
編曲和作曲一樣，要依靠作者的靈感。編曲重在實踐，更重的是音樂人的心，用心去編曲，不用心的編曲只不過是體力勞動，根本不是藝術創作。
五、民樂編曲中應注意的幾個問題
1. 不要用提琴的寫法來寫胡琴
現在的作曲課程都在學西洋管絃樂法，所以很多作曲者對民族樂器不是十分熟悉，所以編民樂作品的時候，時常用提琴的寫法來寫胡琴，或者用絃樂群的手法來製作胡琴群。這種做法不是不可以，但這樣發揮不了胡琴的特點，如果超出了音域還會鬧笑話。要知道板胡、京胡、高胡、二胡和中胡這五種胡琴各自都有不同的音色和個性，在演奏上都擅長表現不同風格的音樂，很難合群。因此寫作的時候要從胡琴的實際出發，提琴的一些用法可以參考，但絕對不能代替。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
民族樂器的幾種特性
1、色彩性
色彩，是經常被用來形容配器的一個詞。比如說某作品色彩豔、色彩豐富斑斕等等。可見色彩是配器中很重要的，就如同繪畫中的音色。它是要與音樂表現的內容緊密聯繫的。舉個例子，如果把《江河水》這首樂曲，用《喜洋洋》的織體、節奏等等來編曲，那結果不想而知。其實，僅僅是把編曲稍微改動一下，音樂就會有很大變化，比如把《喜洋洋》的兩隻小笛改成兩隻嗩吶，那就成了喧鬧而不是喜氣洋洋了。
因此編曲的色彩性是很重要的，它一定要緊密聯繫音樂所表現的內容，要運用準確。
2、表現性
民樂樂器不同於西洋樂器之處的很重要的一點就是個性。每件民族樂器都非常有個性。因此合理運用民族樂器的表現性，就是很重要的。
下面，是一些民樂創作中常用的手法：
早晨——用笛聲；水聲——用古箏的滑奏；節日或熱鬧的場景——用吹管樂和打擊樂；歡快場面——用柳琴等彈撥樂和笛子；情緒的增長——用壎、編鐘、鋁板琴、木魚等；驚慌——用笙的不協和和絃；風聲和波濤——吊鈸滾奏……等等。
我們要知道，這些慣用的手法是可行的，也是有效的，然而卻是一般化的。要是成了模式，就沒有獨創性了。藝術作品，就是要有創造性和個性。而不能成了工業標準。
我認為作為一個作曲家，他的編曲作品不可能每部都是完全不同的，但要儘量少用點現成的模式，儘量多一點新鮮的東西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用濫了的東西，但這個階段要短一些，成熟之後就切忌去模仿。
3、對比性
在音樂中，對比是非常關鍵的。編曲切忌完全一樣的大段拷貝。變化不一定要很大，但要有。當然，這也要看音樂的具體內容。在編曲中，對比手法主要有三種：
(1)不同情緒的對比。比如《春江花月夜》的前一段是大全奏、大力度的演奏、而後一段僅用了琵琶、蕭和木魚三件樂器。這是反差很大的對比，反襯出後段悠然自得、有緣深邃的情感。也可以運用音的強弱的增減(借術語及記號使音量增減)。和絃的變化，樂器組的配合，是整個樂曲音樂色彩基於轉變。
(2)旋律相同而配器不同。相同的主旋律，但使用不同的配器，就把同一個旋律做了多側面的表現,使音樂表現出不同的感情.或是更深層次的發展。
(3)樂器的傳遞:此方法簡單的講,就是把簡單的旋律的伴奏樂句連續的依次在各樂器上演奏,這樣可以使短小的旋律句,顯示出快活的氣氛。
4、技巧性
技藝是研習編曲者比較感興趣的一個話題。技藝性包含兩方面，一是演奏樂器的技藝性，也就是演技。二是動用樂器的技藝性，也就是配器的技能。前者是演奏者要研習的，而後者則是我們作曲者要研習的對象。但是，如果沒有對前者的瞭解和熟知，後者就無從談起。打個比方，你連古箏有多少根弦都不知道，就在編曲中使用古箏，這就很可笑了，並且寫出來的音樂也不是理想的。
關於各民族樂器的性能和演奏技巧，就是民族樂器法了。比如這件樂器的音域、聲音特點、演奏技巧等等，我認為這些知識，是作為一箇中國的作曲家所必須熟知的。作為一箇中國的音樂人，連自己的各民族樂器的性能都不知道，可以說是一種悲哀，也是可笑的。所以，我希望學習作曲、編曲的朋友能夠儘量多接觸一些民族音樂，多聽，多看，在校的作曲專業學生應當多接觸民樂專業的同學，去了解民族樂器，當然，還有很多民族管絃樂法的教材可以學習。這些其實是基本功，是死記硬背的東西，希望學習作曲的同仁們能夠重視這點。
三、配器寫作應具備的條件與音色融合
在進行配器的寫作前，首先具備幾個條件：
首先是樂器的知識。這一點確實是重要的。比如絃樂、彈撥等各種樂器的構定弦、演奏技法、音域以及管樂的佳良音區和極限音區等等。都是要必須知道的。
其次就是記譜。民樂中有實際音高記譜的樂器，也有高八度或者低八度記譜的樂器。還有一些樂器用中音譜號記譜。作曲者要確定自己的記譜法，確定了就不要再更改了，以免混亂。如果是簡譜來寫總譜，那麼首先要確定中央C在自己寫的音樂中是哪個調，哪個音，是否要打高低八度點。這些都確定了，再按管、彈、打、拉的次序計入總譜。
如果記譜上出現問題，就會給排練和錄音帶來不少麻煩。尤其是簡譜的總譜，有的作者幾乎是一行一個標準，要是轉調就更亂套了，簡直讓指揮家頭疼。作為專業的作曲，民樂的總譜應當用標準的五線譜來寫，給演奏員一般是簡譜總譜。
接下來說一說作品的音色融合......
音色融合猶如化學中的化學反應一樣，不同樂器的組合，可以帶來不同的音響效果，或者說是歌曲的意境。以下談談根據樂曲需要而組合不同的樂器組。
（1） 彈撥樂器與拉絃樂器結合的旋律
這兩組樂器間的各種旋律位置的配合進行，一般都能產生較均衡的共鳴效果，音色自然，音質、音量相當調和，因為絃樂的柔和會被彈撥的清脆所補充，而彈撥的顆粒，又會被絃樂的拉弓所軟化，因而不少優美動聽的大段旋律經常在發展到一定階段就要用絃樂與彈撥的混合音色來演奏。
高胡+柳琴 剛勁
高胡+揚琴 透明
二胡+琵琶 優美
中胡+中阮 含蓄
大胡+三絃 雄厚
（2） 拉絃樂器與吹管樂器結合的旋律
拉絃樂器與吹管樂器結合特別融合，在管、笙、笛、蕭、嗩吶等管樂器中，最易於與絃樂組合結合的是笛、笙兩種。在編制不大的民樂合奏的戲曲樂隊中，拉絃樂器與吹管樂器的結合，是最強有力的旋律的一種重要表現方式。
同度結合：
笛子+ 板胡 銳利
蕭 + 二胡 柔美
高音笙+二胡 甘美
低音笙+大胡 厚實
（3） 吹、彈、拉、三組樂器結合的旋律
民樂隊中三組全體同奏旋律是常見，它的音色協調，音響效果堅實，圓潤並豐滿，在樂曲關鍵處用旋律手法能把音樂形象清晰而有力的表現出來。這三組樂器大多數情況是分別組合使用的。它能充實旋律，增加共鳴，強化管樂，融化彈撥，在寫民樂隊時常常採用三種混合旋律音色的配法，在各種樂器間如果選擇得當，其趣味無窮。
把吹、彈、拉、三組樂器中的某些樂器作同度、八度齊奏的用法，是民間絲竹樂的基本配法，各個樂器的旋律可以有些差異。而在新型的民樂隊中採用時，則常作嚴格的重複。其結合可分高、中、低三個音區來處理：
高音旋律：
吹：梆笛、曲笛、新笛、高音笙、高音嗩吶
彈：柳琴、揚琴、琵琶
拉：板胡、高胡、二胡
中音旋律：
吹：中音笙、喉管、中音嗩吶
彈：中阮、三絃、琵琶、揚琴
拉：中胡、大胡
低音旋律：
吹：低音笙、低音嗩吶、低管
彈：大阮、三絃、揚琴
拉：大胡、低胡
總之，絃樂群善於表現歌唱性旋律，也可以勝任歡快輕鬆的旋律奏。在合奏中無論是混合音色還是單一音色都能產生美好的音樂效果；彈撥群是民樂中具有獨特表現力的樂器，由於種類繁多，使得色調豐富，演奏節奏明快、生動、活潑的旋律；管樂群則因各自個性較強，音量不易控制的弱點，所以使用起來要特別小心，一般用於突出旋律，在造成高潮之時往往動用三組旋律音色。
四、如何修飾作品
當作品排練的時候，或者是在電腦上使用採樣音色編曲的時候，如果你覺得某處配器不盡人意，可以立即修改。比如，一般旋律由竹笛演奏，如果音色太亮，不適合這個旋律，你可以進行修改，更換樂器演奏。選用高音笙在中低音區演奏，就避免了尖銳感，而保持了一定的明亮度。如果改成曲笛在中音區演奏，情緒色彩就又變了。可見，樂器音色選擇的變化，對音樂的表現是有很大影響的。
在民族風格的音樂編曲中，由一種樂器作為主奏，擔任旋律聲部的情況很多。除了旋律樂器之外，往往使用其他“鋪底”樂器，比如絃樂，或者各種合成PAD音色。旋律樂器在音樂中的位置一般有三種：
旋律樂器在和聲之上，無論和聲是由一群樂器或者一件樂器，或者合成音色的鋪底，這種情況都叫做“上置”。比如一支竹笛在PAD音色鋪底上獨奏。
旋律音色包在和聲之中，這種手法稱之為“下置”。比如一隻蕭的低音區和絃樂群的高音區。
此外，還有一些常用的辦法是可以用生活語言來稱呼的，由於現在我們錄音都採取分軌制的辦法，各聲部在音頻編輯系統中都各自是獨立的音軌，因此在編曲中可以隨意進行編輯。下面說一些手段：
（1）“開天窗”：由於旋律上邊的配器太厚，覆蓋太重，旋律聽不清，於是把覆蓋主旋律的聲部取消，旋律就聽清楚了。當然，不能做有損音樂的事情，比如覆蓋的部分中有復調因素或者承擔著重要的和聲效果，就不能刪去。
（2）“塞枕頭”：這與上面的例子正好相反。旋律清楚但總的音響發空、無力，而這又不是作品所要求的效果，這時我們就可以填充一些內聲部的樂器。通常是和聲長音，比如PAD類音色等等。
（3）“加厚”：在音響顯得單薄時，用同族的其他樂器做同度的補充，如高胡不足就補充二胡和中胡。柳琴不足就補充琵琶和揚琴。另外，也完全可以嘗試其它音色，包括合成音色和西洋音色。比如二胡群顯得單薄一點，給它疊上一軌絃樂群音色，馬上就飽滿了很多，但又不影響二胡的感覺。聽上去依然是二胡群。
（4）“去薄”：和上面的相反，如果聲音渾濁笨重，可以去掉一些低音聲部或同度重複分樂器，直到聲音清晰、比例合適為止。
編曲和作曲一樣，要依靠作者的靈感。編曲重在實踐，更重的是音樂人的心，用心去編曲，不用心的編曲只不過是體力勞動，根本不是藝術創作。
五、民樂編曲中應注意的幾個問題
1. 不要用提琴的寫法來寫胡琴
現在的作曲課程都在學西洋管絃樂法，所以很多作曲者對民族樂器不是十分熟悉，所以編民樂作品的時候，時常用提琴的寫法來寫胡琴，或者用絃樂群的手法來製作胡琴群。這種做法不是不可以，但這樣發揮不了胡琴的特點，如果超出了音域還會鬧笑話。要知道板胡、京胡、高胡、二胡和中胡這五種胡琴各自都有不同的音色和個性，在演奏上都擅長表現不同風格的音樂，很難合群。因此寫作的時候要從胡琴的實際出發，提琴的一些用法可以參考，但絕對不能代替。
2. 彈撥樂齊奏要注意
彈撥樂器是民族管絃樂中的一大特點，這是西洋管絃樂不具備的。作為民族風格的編曲，要善於發揮它。但我們必須知道，彈撥樂的聲音不是線條，而是由“點”的滾奏構成的。然而，每件彈撥樂器滾奏點子的密度又是截然不同的。比如琵琶的“輪”和阮的“滾”，點子的速度是不一樣的，三絃的滾奏速度與前兩者又是截然不同。就拿琵琶來說，琵琶的“輪”、“滾”和“搖”也是不一樣的。因此這一點必須要注意，必須要統一密度。否則效果就會不好。尤其是在有MIDI製作的固定節奏鼓點的時候，彈撥樂的點子密度就要注意，這些可以標註在總譜上，錄音時，讓演奏員注意把握速度和滾奏的密度。如果是使用音色盤來編曲，就要換用不同密度點子的音色，甚至使用音頻軟件對其進行時間的拉伸和縮短，以配合音樂的節奏。
另外，各種彈撥樂器在演奏的時候，其右均可以在琴體自由上下，造成音色的變化。在琴體中部彈奏的時候，聲音虛一些。靠近下方演奏，聲音亮，雜音也大一些。這雖然是演奏上的一些技法，但和音色有關，作為作曲者也是必須應該知道的。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
民族樂器的幾種特性
1、色彩性
色彩，是經常被用來形容配器的一個詞。比如說某作品色彩豔、色彩豐富斑斕等等。可見色彩是配器中很重要的，就如同繪畫中的音色。它是要與音樂表現的內容緊密聯繫的。舉個例子，如果把《江河水》這首樂曲，用《喜洋洋》的織體、節奏等等來編曲，那結果不想而知。其實，僅僅是把編曲稍微改動一下，音樂就會有很大變化，比如把《喜洋洋》的兩隻小笛改成兩隻嗩吶，那就成了喧鬧而不是喜氣洋洋了。
因此編曲的色彩性是很重要的，它一定要緊密聯繫音樂所表現的內容，要運用準確。
2、表現性
民樂樂器不同於西洋樂器之處的很重要的一點就是個性。每件民族樂器都非常有個性。因此合理運用民族樂器的表現性，就是很重要的。
下面，是一些民樂創作中常用的手法：
早晨——用笛聲；水聲——用古箏的滑奏；節日或熱鬧的場景——用吹管樂和打擊樂；歡快場面——用柳琴等彈撥樂和笛子；情緒的增長——用壎、編鐘、鋁板琴、木魚等；驚慌——用笙的不協和和絃；風聲和波濤——吊鈸滾奏……等等。
我們要知道，這些慣用的手法是可行的，也是有效的，然而卻是一般化的。要是成了模式，就沒有獨創性了。藝術作品，就是要有創造性和個性。而不能成了工業標準。
我認為作為一個作曲家，他的編曲作品不可能每部都是完全不同的，但要儘量少用點現成的模式，儘量多一點新鮮的東西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用濫了的東西，但這個階段要短一些，成熟之後就切忌去模仿。
3、對比性
在音樂中，對比是非常關鍵的。編曲切忌完全一樣的大段拷貝。變化不一定要很大，但要有。當然，這也要看音樂的具體內容。在編曲中，對比手法主要有三種：
(1)不同情緒的對比。比如《春江花月夜》的前一段是大全奏、大力度的演奏、而後一段僅用了琵琶、蕭和木魚三件樂器。這是反差很大的對比，反襯出後段悠然自得、有緣深邃的情感。也可以運用音的強弱的增減(借術語及記號使音量增減)。和絃的變化，樂器組的配合，是整個樂曲音樂色彩基於轉變。
(2)旋律相同而配器不同。相同的主旋律，但使用不同的配器，就把同一個旋律做了多側面的表現,使音樂表現出不同的感情.或是更深層次的發展。
(3)樂器的傳遞:此方法簡單的講,就是把簡單的旋律的伴奏樂句連續的依次在各樂器上演奏,這樣可以使短小的旋律句,顯示出快活的氣氛。
4、技巧性
技藝是研習編曲者比較感興趣的一個話題。技藝性包含兩方面，一是演奏樂器的技藝性，也就是演技。二是動用樂器的技藝性，也就是配器的技能。前者是演奏者要研習的，而後者則是我們作曲者要研習的對象。但是，如果沒有對前者的瞭解和熟知，後者就無從談起。打個比方，你連古箏有多少根弦都不知道，就在編曲中使用古箏，這就很可笑了，並且寫出來的音樂也不是理想的。
關於各民族樂器的性能和演奏技巧，就是民族樂器法了。比如這件樂器的音域、聲音特點、演奏技巧等等，我認為這些知識，是作為一箇中國的作曲家所必須熟知的。作為一箇中國的音樂人，連自己的各民族樂器的性能都不知道，可以說是一種悲哀，也是可笑的。所以，我希望學習作曲、編曲的朋友能夠儘量多接觸一些民族音樂，多聽，多看，在校的作曲專業學生應當多接觸民樂專業的同學，去了解民族樂器，當然，還有很多民族管絃樂法的教材可以學習。這些其實是基本功，是死記硬背的東西，希望學習作曲的同仁們能夠重視這點。
三、配器寫作應具備的條件與音色融合
在進行配器的寫作前，首先具備幾個條件：
首先是樂器的知識。這一點確實是重要的。比如絃樂、彈撥等各種樂器的構定弦、演奏技法、音域以及管樂的佳良音區和極限音區等等。都是要必須知道的。
其次就是記譜。民樂中有實際音高記譜的樂器，也有高八度或者低八度記譜的樂器。還有一些樂器用中音譜號記譜。作曲者要確定自己的記譜法，確定了就不要再更改了，以免混亂。如果是簡譜來寫總譜，那麼首先要確定中央C在自己寫的音樂中是哪個調，哪個音，是否要打高低八度點。這些都確定了，再按管、彈、打、拉的次序計入總譜。
如果記譜上出現問題，就會給排練和錄音帶來不少麻煩。尤其是簡譜的總譜，有的作者幾乎是一行一個標準，要是轉調就更亂套了，簡直讓指揮家頭疼。作為專業的作曲，民樂的總譜應當用標準的五線譜來寫，給演奏員一般是簡譜總譜。
接下來說一說作品的音色融合......
音色融合猶如化學中的化學反應一樣，不同樂器的組合，可以帶來不同的音響效果，或者說是歌曲的意境。以下談談根據樂曲需要而組合不同的樂器組。
（1） 彈撥樂器與拉絃樂器結合的旋律
這兩組樂器間的各種旋律位置的配合進行，一般都能產生較均衡的共鳴效果，音色自然，音質、音量相當調和，因為絃樂的柔和會被彈撥的清脆所補充，而彈撥的顆粒，又會被絃樂的拉弓所軟化，因而不少優美動聽的大段旋律經常在發展到一定階段就要用絃樂與彈撥的混合音色來演奏。
高胡+柳琴 剛勁
高胡+揚琴 透明
二胡+琵琶 優美
中胡+中阮 含蓄
大胡+三絃 雄厚
（2） 拉絃樂器與吹管樂器結合的旋律
拉絃樂器與吹管樂器結合特別融合，在管、笙、笛、蕭、嗩吶等管樂器中，最易於與絃樂組合結合的是笛、笙兩種。在編制不大的民樂合奏的戲曲樂隊中，拉絃樂器與吹管樂器的結合，是最強有力的旋律的一種重要表現方式。
同度結合：
笛子+ 板胡 銳利
蕭 + 二胡 柔美
高音笙+二胡 甘美
低音笙+大胡 厚實
（3） 吹、彈、拉、三組樂器結合的旋律
民樂隊中三組全體同奏旋律是常見，它的音色協調，音響效果堅實，圓潤並豐滿，在樂曲關鍵處用旋律手法能把音樂形象清晰而有力的表現出來。這三組樂器大多數情況是分別組合使用的。它能充實旋律，增加共鳴，強化管樂，融化彈撥，在寫民樂隊時常常採用三種混合旋律音色的配法，在各種樂器間如果選擇得當，其趣味無窮。
把吹、彈、拉、三組樂器中的某些樂器作同度、八度齊奏的用法，是民間絲竹樂的基本配法，各個樂器的旋律可以有些差異。而在新型的民樂隊中採用時，則常作嚴格的重複。其結合可分高、中、低三個音區來處理：
高音旋律：
吹：梆笛、曲笛、新笛、高音笙、高音嗩吶
彈：柳琴、揚琴、琵琶
拉：板胡、高胡、二胡
中音旋律：
吹：中音笙、喉管、中音嗩吶
彈：中阮、三絃、琵琶、揚琴
拉：中胡、大胡
低音旋律：
吹：低音笙、低音嗩吶、低管
彈：大阮、三絃、揚琴
拉：大胡、低胡
總之，絃樂群善於表現歌唱性旋律，也可以勝任歡快輕鬆的旋律奏。在合奏中無論是混合音色還是單一音色都能產生美好的音樂效果；彈撥群是民樂中具有獨特表現力的樂器，由於種類繁多，使得色調豐富，演奏節奏明快、生動、活潑的旋律；管樂群則因各自個性較強，音量不易控制的弱點，所以使用起來要特別小心，一般用於突出旋律，在造成高潮之時往往動用三組旋律音色。
四、如何修飾作品
當作品排練的時候，或者是在電腦上使用採樣音色編曲的時候，如果你覺得某處配器不盡人意，可以立即修改。比如，一般旋律由竹笛演奏，如果音色太亮，不適合這個旋律，你可以進行修改，更換樂器演奏。選用高音笙在中低音區演奏，就避免了尖銳感，而保持了一定的明亮度。如果改成曲笛在中音區演奏，情緒色彩就又變了。可見，樂器音色選擇的變化，對音樂的表現是有很大影響的。
在民族風格的音樂編曲中，由一種樂器作為主奏，擔任旋律聲部的情況很多。除了旋律樂器之外，往往使用其他“鋪底”樂器，比如絃樂，或者各種合成PAD音色。旋律樂器在音樂中的位置一般有三種：
旋律樂器在和聲之上，無論和聲是由一群樂器或者一件樂器，或者合成音色的鋪底，這種情況都叫做“上置”。比如一支竹笛在PAD音色鋪底上獨奏。
旋律音色包在和聲之中，這種手法稱之為“下置”。比如一隻蕭的低音區和絃樂群的高音區。
此外，還有一些常用的辦法是可以用生活語言來稱呼的，由於現在我們錄音都採取分軌制的辦法，各聲部在音頻編輯系統中都各自是獨立的音軌，因此在編曲中可以隨意進行編輯。下面說一些手段：
（1）“開天窗”：由於旋律上邊的配器太厚，覆蓋太重，旋律聽不清，於是把覆蓋主旋律的聲部取消，旋律就聽清楚了。當然，不能做有損音樂的事情，比如覆蓋的部分中有復調因素或者承擔著重要的和聲效果，就不能刪去。
（2）“塞枕頭”：這與上面的例子正好相反。旋律清楚但總的音響發空、無力，而這又不是作品所要求的效果，這時我們就可以填充一些內聲部的樂器。通常是和聲長音，比如PAD類音色等等。
（3）“加厚”：在音響顯得單薄時，用同族的其他樂器做同度的補充，如高胡不足就補充二胡和中胡。柳琴不足就補充琵琶和揚琴。另外，也完全可以嘗試其它音色，包括合成音色和西洋音色。比如二胡群顯得單薄一點，給它疊上一軌絃樂群音色，馬上就飽滿了很多，但又不影響二胡的感覺。聽上去依然是二胡群。
（4）“去薄”：和上面的相反，如果聲音渾濁笨重，可以去掉一些低音聲部或同度重複分樂器，直到聲音清晰、比例合適為止。
編曲和作曲一樣，要依靠作者的靈感。編曲重在實踐，更重的是音樂人的心，用心去編曲，不用心的編曲只不過是體力勞動，根本不是藝術創作。
五、民樂編曲中應注意的幾個問題
1. 不要用提琴的寫法來寫胡琴
現在的作曲課程都在學西洋管絃樂法，所以很多作曲者對民族樂器不是十分熟悉，所以編民樂作品的時候，時常用提琴的寫法來寫胡琴，或者用絃樂群的手法來製作胡琴群。這種做法不是不可以，但這樣發揮不了胡琴的特點，如果超出了音域還會鬧笑話。要知道板胡、京胡、高胡、二胡和中胡這五種胡琴各自都有不同的音色和個性，在演奏上都擅長表現不同風格的音樂，很難合群。因此寫作的時候要從胡琴的實際出發，提琴的一些用法可以參考，但絕對不能代替。
2. 彈撥樂齊奏要注意
彈撥樂器是民族管絃樂中的一大特點，這是西洋管絃樂不具備的。作為民族風格的編曲，要善於發揮它。但我們必須知道，彈撥樂的聲音不是線條，而是由“點”的滾奏構成的。然而，每件彈撥樂器滾奏點子的密度又是截然不同的。比如琵琶的“輪”和阮的“滾”，點子的速度是不一樣的，三絃的滾奏速度與前兩者又是截然不同。就拿琵琶來說，琵琶的“輪”、“滾”和“搖”也是不一樣的。因此這一點必須要注意，必須要統一密度。否則效果就會不好。尤其是在有MIDI製作的固定節奏鼓點的時候，彈撥樂的點子密度就要注意，這些可以標註在總譜上，錄音時，讓演奏員注意把握速度和滾奏的密度。如果是使用音色盤來編曲，就要換用不同密度點子的音色，甚至使用音頻軟件對其進行時間的拉伸和縮短，以配合音樂的節奏。
另外，各種彈撥樂器在演奏的時候，其右均可以在琴體自由上下，造成音色的變化。在琴體中部彈奏的時候，聲音虛一些。靠近下方演奏，聲音亮，雜音也大一些。這雖然是演奏上的一些技法，但和音色有關，作為作曲者也是必須應該知道的。
3. 管樂器的音域
一定要熟知每件樂器的有效音域和極限音域，尤其是管樂。其他聲部也是一樣的。不要經常闖入極限音區。管樂器是靠人的氣息來吹奏的，如果不熟悉樂器的演奏法，不僅會給演奏者帶來困難，同時也會影響音樂的效果。要知道，嗩吶和笛子都不僅僅是一件樂器，而是有各種調的一套，選擇哪個調的管樂器來吹，也是關鍵的。因為每種調的笛子或者嗩吶，其音色都不相同。另外，千萬不要用寫銅管的方法來寫嗩吶。
4. 掌握民族打擊的特點
民樂風格的編曲中，很重要的一個方面就是民族打擊樂。尤其是戲曲類的音樂，打擊是很重要的部分。司鼓在戲曲樂隊中相當於樂隊指揮的地位。對於打擊樂的運用，我覺得作為一個作曲者，必須應該認真學習幾套戲曲和民間音樂中的鑼鼓，背幾段鑼鼓經，最好能夠演奏某一件打擊樂器，這對於製作民樂以及戲曲風格的音樂是大有好處的。現在年輕一代的音樂人往往對戲曲和民間音樂接觸得太少。
有人這樣來比喻編曲：絃樂是皮膚和脂肪，彈撥樂是骨頭，管樂是肌肉，打擊樂是血液。雖不一定很確切，但確實有點道理。
在音樂學院的作曲專業課程裡，配器是作曲四大件技法之一。是作為單獨的學科來學習的，就如同復調、和聲、曲式一樣。但我們要知道，即使你的每項課程考試都得滿分，你仍然不一定是一位優秀的作曲家。著名配器大師彭修文曾說過：“創作這東西是根本不能教的，所以配器也是不能教和學的。能教學的只是前人做過的一般方法，而這是不能代替你自己創作的。”
目前，我國音樂院校的作曲系幾乎都是隻學西洋管絃樂配器法，其實在實際應用中，無論是社會歌曲還是通俗歌曲，民樂都是相當重要的成分。而且一些純民樂的音樂比如戲曲音樂的製作也是經常會遇到的，這就要求音樂人必須具備一定的民樂功底。
一、電腦音樂製作裡的民樂音色
電腦音樂對於現代作曲的學者們是一件很方便的工具，我們可以通過數字音樂聆聽不同樂器的音色和運用這些音色進行MIDI音樂製作，即使你對於音樂的整體音響把握程度不夠，那也不用擔心，電腦音樂可以彌補你的不足。
當今的MIDI音樂製作，是運用作曲軟件進行MIDI音樂製作的，通過軟音源插件（如VST插件、採樣音色giga），調入軟件裡，就可以製作你想要製作的音樂。
MIDI製作裡的民樂的音色盤主要有GIGA、SampleTank、KONTAKT等等，我們可以通過這些音色盤來確認民樂樂器的音色和演奏特點，繼而進行MIDI音樂製作。當然，如果有條件，建議一定要去了解真實樂器的音色、音域和演奏特點。畢竟這些音色大部分是數字模擬音源，不真實。一般在使用電腦音樂製作民樂的時候，用MIDI編完曲後，更多的要求民族樂器實錄音的。所以作為編曲要掌握總譜寫作的能力。
MIDI音樂製作我只做簡單介紹，畢竟它只是我們進行創作的工具，有了工具，更多的是要求作曲者自身的配器功底和配器意識。基於電腦的技術運用，有了配器的意識，通過大量的實踐寫作，最終才能達到我們所希望達到的音響效果。畢竟我們沒有太多的條件去請民樂隊拉奏你的樂曲。
民族樂器的幾種特性
1、色彩性
色彩，是經常被用來形容配器的一個詞。比如說某作品色彩豔、色彩豐富斑斕等等。可見色彩是配器中很重要的，就如同繪畫中的音色。它是要與音樂表現的內容緊密聯繫的。舉個例子，如果把《江河水》這首樂曲，用《喜洋洋》的織體、節奏等等來編曲，那結果不想而知。其實，僅僅是把編曲稍微改動一下，音樂就會有很大變化，比如把《喜洋洋》的兩隻小笛改成兩隻嗩吶，那就成了喧鬧而不是喜氣洋洋了。
因此編曲的色彩性是很重要的，它一定要緊密聯繫音樂所表現的內容，要運用準確。
2、表現性
民樂樂器不同於西洋樂器之處的很重要的一點就是個性。每件民族樂器都非常有個性。因此合理運用民族樂器的表現性，就是很重要的。
下面，是一些民樂創作中常用的手法：
早晨——用笛聲；水聲——用古箏的滑奏；節日或熱鬧的場景——用吹管樂和打擊樂；歡快場面——用柳琴等彈撥樂和笛子；情緒的增長——用壎、編鐘、鋁板琴、木魚等；驚慌——用笙的不協和和絃；風聲和波濤——吊鈸滾奏……等等。
我們要知道，這些慣用的手法是可行的，也是有效的，然而卻是一般化的。要是成了模式，就沒有獨創性了。藝術作品，就是要有創造性和個性。而不能成了工業標準。
我認為作為一個作曲家，他的編曲作品不可能每部都是完全不同的，但要儘量少用點現成的模式，儘量多一點新鮮的東西，哪怕不是很新也最好不要去用那些被用濫了的東西，但這個階段要短一些，成熟之後就切忌去模仿。
3、對比性
在音樂中，對比是非常關鍵的。編曲切忌完全一樣的大段拷貝。變化不一定要很大，但要有。當然，這也要看音樂的具體內容。在編曲中，對比手法主要有三種：
(1)不同情緒的對比。比如《春江花月夜》的前一段是大全奏、大力度的演奏、而後一段僅用了琵琶、蕭和木魚三件樂器。這是反差很大的對比，反襯出後段悠然自得、有緣深邃的情感。也可以運用音的強弱的增減(借術語及記號使音量增減)。和絃的變化，樂器組的配合，是整個樂曲音樂色彩基於轉變。
(2)旋律相同而配器不同。相同的主旋律，但使用不同的配器，就把同一個旋律做了多側面的表現,使音樂表現出不同的感情.或是更深層次的發展。
(3)樂器的傳遞:此方法簡單的講,就是把簡單的旋律的伴奏樂句連續的依次在各樂器上演奏,這樣可以使短小的旋律句,顯示出快活的氣氛。
4、技巧性
技藝是研習編曲者比較感興趣的一個話題。技藝性包含兩方面，一是演奏樂器的技藝性，也就是演技。二是動用樂器的技藝性，也就是配器的技能。前者是演奏者要研習的，而後者則是我們作曲者要研習的對象。但是，如果沒有對前者的瞭解和熟知，後者就無從談起。打個比方，你連古箏有多少根弦都不知道，就在編曲中使用古箏，這就很可笑了，並且寫出來的音樂也不是理想的。
關於各民族樂器的性能和演奏技巧，就是民族樂器法了。比如這件樂器的音域、聲音特點、演奏技巧等等，我認為這些知識，是作為一箇中國的作曲家所必須熟知的。作為一箇中國的音樂人，連自己的各民族樂器的性能都不知道，可以說是一種悲哀，也是可笑的。所以，我希望學習作曲、編曲的朋友能夠儘量多接觸一些民族音樂，多聽，多看，在校的作曲專業學生應當多接觸民樂專業的同學，去了解民族樂器，當然，還有很多民族管絃樂法的教材可以學習。這些其實是基本功，是死記硬背的東西，希望學習作曲的同仁們能夠重視這點。
三、配器寫作應具備的條件與音色融合
在進行配器的寫作前，首先具備幾個條件：
首先是樂器的知識。這一點確實是重要的。比如絃樂、彈撥等各種樂器的構定弦、演奏技法、音域以及管樂的佳良音區和極限音區等等。都是要必須知道的。
其次就是記譜。民樂中有實際音高記譜的樂器，也有高八度或者低八度記譜的樂器。還有一些樂器用中音譜號記譜。作曲者要確定自己的記譜法，確定了就不要再更改了，以免混亂。如果是簡譜來寫總譜，那麼首先要確定中央C在自己寫的音樂中是哪個調，哪個音，是否要打高低八度點。這些都確定了，再按管、彈、打、拉的次序計入總譜。
如果記譜上出現問題，就會給排練和錄音帶來不少麻煩。尤其是簡譜的總譜，有的作者幾乎是一行一個標準，要是轉調就更亂套了，簡直讓指揮家頭疼。作為專業的作曲，民樂的總譜應當用標準的五線譜來寫，給演奏員一般是簡譜總譜。
接下來說一說作品的音色融合......
音色融合猶如化學中的化學反應一樣，不同樂器的組合，可以帶來不同的音響效果，或者說是歌曲的意境。以下談談根據樂曲需要而組合不同的樂器組。
（1） 彈撥樂器與拉絃樂器結合的旋律
這兩組樂器間的各種旋律位置的配合進行，一般都能產生較均衡的共鳴效果，音色自然，音質、音量相當調和，因為絃樂的柔和會被彈撥的清脆所補充，而彈撥的顆粒，又會被絃樂的拉弓所軟化，因而不少優美動聽的大段旋律經常在發展到一定階段就要用絃樂與彈撥的混合音色來演奏。
高胡+柳琴 剛勁
高胡+揚琴 透明
二胡+琵琶 優美
中胡+中阮 含蓄
大胡+三絃 雄厚
（2） 拉絃樂器與吹管樂器結合的旋律
拉絃樂器與吹管樂器結合特別融合，在管、笙、笛、蕭、嗩吶等管樂器中，最易於與絃樂組合結合的是笛、笙兩種。在編制不大的民樂合奏的戲曲樂隊中，拉絃樂器與吹管樂器的結合，是最強有力的旋律的一種重要表現方式。
同度結合：
笛子+ 板胡 銳利
蕭 + 二胡 柔美
高音笙+二胡 甘美
低音笙+大胡 厚實
（3） 吹、彈、拉、三組樂器結合的旋律
民樂隊中三組全體同奏旋律是常見，它的音色協調，音響效果堅實，圓潤並豐滿，在樂曲關鍵處用旋律手法能把音樂形象清晰而有力的表現出來。這三組樂器大多數情況是分別組合使用的。它能充實旋律，增加共鳴，強化管樂，融化彈撥，在寫民樂隊時常常採用三種混合旋律音色的配法，在各種樂器間如果選擇得當，其趣味無窮。
把吹、彈、拉、三組樂器中的某些樂器作同度、八度齊奏的用法，是民間絲竹樂的基本配法，各個樂器的旋律可以有些差異。而在新型的民樂隊中採用時，則常作嚴格的重複。其結合可分高、中、低三個音區來處理：
高音旋律：
吹：梆笛、曲笛、新笛、高音笙、高音嗩吶
彈：柳琴、揚琴、琵琶
拉：板胡、高胡、二胡
中音旋律：
吹：中音笙、喉管、中音嗩吶
彈：中阮、三絃、琵琶、揚琴
拉：中胡、大胡
低音旋律：
吹：低音笙、低音嗩吶、低管
彈：大阮、三絃、揚琴
拉：大胡、低胡
總之，絃樂群善於表現歌唱性旋律，也可以勝任歡快輕鬆的旋律奏。在合奏中無論是混合音色還是單一音色都能產生美好的音樂效果；彈撥群是民樂中具有獨特表現力的樂器，由於種類繁多，使得色調豐富，演奏節奏明快、生動、活潑的旋律；管樂群則因各自個性較強，音量不易控制的弱點，所以使用起來要特別小心，一般用於突出旋律，在造成高潮之時往往動用三組旋律音色。
四、如何修飾作品
當作品排練的時候，或者是在電腦上使用採樣音色編曲的時候，如果你覺得某處配器不盡人意，可以立即修改。比如，一般旋律由竹笛演奏，如果音色太亮，不適合這個旋律，你可以進行修改，更換樂器演奏。選用高音笙在中低音區演奏，就避免了尖銳感，而保持了一定的明亮度。如果改成曲笛在中音區演奏，情緒色彩就又變了。可見，樂器音色選擇的變化，對音樂的表現是有很大影響的。
在民族風格的音樂編曲中，由一種樂器作為主奏，擔任旋律聲部的情況很多。除了旋律樂器之外，往往使用其他“鋪底”樂器，比如絃樂，或者各種合成PAD音色。旋律樂器在音樂中的位置一般有三種：
旋律樂器在和聲之上，無論和聲是由一群樂器或者一件樂器，或者合成音色的鋪底，這種情況都叫做“上置”。比如一支竹笛在PAD音色鋪底上獨奏。
旋律音色包在和聲之中，這種手法稱之為“下置”。比如一隻蕭的低音區和絃樂群的高音區。
此外，還有一些常用的辦法是可以用生活語言來稱呼的，由於現在我們錄音都採取分軌制的辦法，各聲部在音頻編輯系統中都各自是獨立的音軌，因此在編曲中可以隨意進行編輯。下面說一些手段：
（1）“開天窗”：由於旋律上邊的配器太厚，覆蓋太重，旋律聽不清，於是把覆蓋主旋律的聲部取消，旋律就聽清楚了。當然，不能做有損音樂的事情，比如覆蓋的部分中有復調因素或者承擔著重要的和聲效果，就不能刪去。
（2）“塞枕頭”：這與上面的例子正好相反。旋律清楚但總的音響發空、無力，而這又不是作品所要求的效果，這時我們就可以填充一些內聲部的樂器。通常是和聲長音，比如PAD類音色等等。
（3）“加厚”：在音響顯得單薄時，用同族的其他樂器做同度的補充，如高胡不足就補充二胡和中胡。柳琴不足就補充琵琶和揚琴。另外，也完全可以嘗試其它音色，包括合成音色和西洋音色。比如二胡群顯得單薄一點，給它疊上一軌絃樂群音色，馬上就飽滿了很多，但又不影響二胡的感覺。聽上去依然是二胡群。
（4）“去薄”：和上面的相反，如果聲音渾濁笨重，可以去掉一些低音聲部或同度重複分樂器，直到聲音清晰、比例合適為止。
編曲和作曲一樣，要依靠作者的靈感。編曲重在實踐，更重的是音樂人的心，用心去編曲，不用心的編曲只不過是體力勞動，根本不是藝術創作。
五、民樂編曲中應注意的幾個問題
1. 不要用提琴的寫法來寫胡琴
現在的作曲課程都在學西洋管絃樂法，所以很多作曲者對民族樂器不是十分熟悉，所以編民樂作品的時候，時常用提琴的寫法來寫胡琴，或者用絃樂群的手法來製作胡琴群。這種做法不是不可以，但這樣發揮不了胡琴的特點，如果超出了音域還會鬧笑話。要知道板胡、京胡、高胡、二胡和中胡這五種胡琴各自都有不同的音色和個性，在演奏上都擅長表現不同風格的音樂，很難合群。因此寫作的時候要從胡琴的實際出發，提琴的一些用法可以參考，但絕對不能代替。
2. 彈撥樂齊奏要注意
彈撥樂器是民族管絃樂中的一大特點，這是西洋管絃樂不具備的。作為民族風格的編曲，要善於發揮它。但我們必須知道，彈撥樂的聲音不是線條，而是由“點”的滾奏構成的。然而，每件彈撥樂器滾奏點子的密度又是截然不同的。比如琵琶的“輪”和阮的“滾”，點子的速度是不一樣的，三絃的滾奏速度與前兩者又是截然不同。就拿琵琶來說，琵琶的“輪”、“滾”和“搖”也是不一樣的。因此這一點必須要注意，必須要統一密度。否則效果就會不好。尤其是在有MIDI製作的固定節奏鼓點的時候，彈撥樂的點子密度就要注意，這些可以標註在總譜上，錄音時，讓演奏員注意把握速度和滾奏的密度。如果是使用音色盤來編曲，就要換用不同密度點子的音色，甚至使用音頻軟件對其進行時間的拉伸和縮短，以配合音樂的節奏。
另外，各種彈撥樂器在演奏的時候，其右均可以在琴體自由上下，造成音色的變化。在琴體中部彈奏的時候，聲音虛一些。靠近下方演奏，聲音亮，雜音也大一些。這雖然是演奏上的一些技法，但和音色有關，作為作曲者也是必須應該知道的。
3. 管樂器的音域
一定要熟知每件樂器的有效音域和極限音域，尤其是管樂。其他聲部也是一樣的。不要經常闖入極限音區。管樂器是靠人的氣息來吹奏的，如果不熟悉樂器的演奏法，不僅會給演奏者帶來困難，同時也會影響音樂的效果。要知道，嗩吶和笛子都不僅僅是一件樂器，而是有各種調的一套，選擇哪個調的管樂器來吹，也是關鍵的。因為每種調的笛子或者嗩吶，其音色都不相同。另外，千萬不要用寫銅管的方法來寫嗩吶。
4. 掌握民族打擊的特點
民樂風格的編曲中，很重要的一個方面就是民族打擊樂。尤其是戲曲類的音樂，打擊是很重要的部分。司鼓在戲曲樂隊中相當於樂隊指揮的地位。對於打擊樂的運用，我覺得作為一個作曲者，必須應該認真學習幾套戲曲和民間音樂中的鑼鼓，背幾段鑼鼓經，最好能夠演奏某一件打擊樂器，這對於製作民樂以及戲曲風格的音樂是大有好處的。現在年輕一代的音樂人往往對戲曲和民間音樂接觸得太少。
有人這樣來比喻編曲：絃樂是皮膚和脂肪，彈撥樂是骨頭，管樂是肌肉，打擊樂是血液。雖不一定很確切，但確實有點道理。
5. 和聲與齊奏
各種音色都是要根據音樂的需要來合理使用的，我們要會用單一音色，
千萬不要混合音色到底，很多音樂就要適合齊奏，尤其是吹打樂風格的音樂。如果你非要給它加上和絃，那反而不是個味了。戲曲類的也是如此。很多純民樂或者戲曲風格的音樂，不要像做流行音樂那樣給它加和絃，那樣是畫蛇添足。總之，對民族音樂的瞭解是非常重要的。
總結：
編曲需要實踐，需要創造。前人的經驗和知識是有用的，但不要成為教條，而是隻作為一種參考。作曲家肖斯塔科維奇曾經說過：“我的配器是從排練場學來的，而不是在教室裡讀書本學會的”。這是很有道理的。只要條件允許，我們一定要多接觸民族樂器。
現在，學習作曲的年輕一代，往往熟知西洋樂器的配器、和聲，或者精通電腦音樂製作的軟件、合成器，但是對於民族音樂、戲曲音樂掌握得極少，有的甚至是一竅不通。而目前民族音樂的編曲將是經常會遇到的工作，掌握和了解民族音樂，不僅是對自己音樂知識水平的提高，也是對中華民族文化的繼承和保護。
本文內容來源於：網絡。參考文獻：本文參考和引用彭修文（1931-1997）在1994年中國音協配器進修班上的部分講義內容；王保安 《音樂創作實用技法手冊》 中國青年出版社；文海良 《玩轉軟音源》 湖南文藝出版社。