第四次搬上大銀幕的《一個明星的誕生》，由萊德利·庫珀擔任編劇、導演及男主，並與Lady Gaga親自演唱片中所有歌曲，譜寫出一段真摯動人的影像樂章。

為了擺脫歌舞片、音樂傳記電影框架，本片找來了驚人的幕後製作團隊，包含：《阿甘正傳》編劇、《黑天鵝》攝影指導、《愛樂之城》的聲音部門，採用了大量手持攝影拍攝，同期聲錄製演員及樂隊演出，並通過“脈衝響應”（Impulse Response）的特殊混音手法，去忠實貼近音樂人眼、耳中的世界，呈現真實、宏大的愛情。

並且效果還真不錯，這部電影在海外上映後，票房與口碑一路飄紅，媒體綜評達到88分，14家媒體打出滿分，爛番茄新鮮度90%，基本是2018年度口碑最佳的電影之一。並且奧斯卡拿到了8項提名，可謂名利雙收。

當然，國內對於此片評價並不太好，但主要在故事方面，對於製作來說，也是承認其製作能力。其實主要是製作團隊的實力強啊！本片的攝影也提名了奧斯克最佳攝影，它是怎麼拍的呢？本期【ASC雜誌專欄】將為你揭祕其幕後製作。如果你想觀看免費中文版《美國攝影師雜誌》，下載【影視工業網·幕後英雄APP】即可閱讀（官方授權）。

當攝影指導馬修·利巴提克正與長期合作的導演達倫·阿倫諾夫斯基(DarrenAronofsky)拍攝《母親!》時，這位導演帶來了一些讓他驚喜的消息。“達倫說:‘布萊德利·庫珀想跟你談談《一個明星的誕生》。’”攝影師利巴提克回憶道，“原來，《母親!》的主演大表姐和布萊德利合作過很多次，在得知他找攝影指導時，大表姐就推薦了我。”

兩人碰面後一拍即合。“我確實早就有了一些想法，我們的攝影師對於這些想法也很感興趣，”導演庫珀回憶道，“當然(主要)拍攝地在洛杉磯可能是主要原因之一——這樣他就可以回家了。”

攝影指導和導演

這部電影是演員庫珀首次嚮導演轉型。在他的《一個明星的誕生》之前，這個故事曾三次被搬上銀幕:分別有1937年、1954年1976年的三個版本。而新的版本其實和之前的改動並不大，一位漸趨過氣的音樂家愛上一名嶄露頭角的歌手。在這個版本中，前者是傑克遜·緬因(JacksonMaine，庫珀飾演),後者是創作型歌手艾麗(Ally，LadyGaga飾演);艾麗一邊想將傑克遜拉出深淵，一邊也要提防自己墜入其中，他們的愛情絢爛美麗，可結局註定走向悲劇。

“我們就之前的版本做過很多交流，也談論過這部片子應在多大程度上借鑑它們。”攝影師利巴提克解釋說，“哪些情節我們可以從1954年的版本借鑑，哪些又可以從1976年的版本借鑑，以及電影的主題是什麼?關於成癮?還是關於成為一位搖滾明星的心路歷程?還是一個愛情故事?最後，導演認為，首先應該將本片的核心定位為愛情故事，其他部分都圍繞這個核心點製造氛圍。我也同意這一觀點。”

該片的視覺方面也參考了其他電影。比如馬丁·斯科塞斯執導的《紐約故事》中的《生命之課》， “我想要探索的一些問題都在這部電影中得到了最好的解決，而且我喜歡片中運鏡的方式，”導演說，“他們當時使用了移動攝影車，這在我們的拍攝場地無法實現——但掌機斯科特·阪本(P.ScottSakamoto)操作了一臺斯坦尼康來充當移動攝影車使用。他真的太牛逼了，他能完全精準地複製出那種鏡頭的移動。”

導演還特別參考了《最後的華爾茲》（1978年），作為演唱會片段的靈感來源。當然，攝影師和導演在準備階段還看了他們能想到的音樂電影的片段，“從《別假正經》到《天鵝絨金礦》。”

拍攝演唱會場景時，攝製組的中心原則就是將舞臺上的鏡頭鎖定在傑克遜和艾麗身上。“觀眾視角對我們其實並不重要，”利巴提克斷言，“艾麗之前幹著一份全職工作，在小俱樂部表演，而現在她與世界上最有名的音樂人之一同臺演唱，因此所有的一切必須從人物主觀視角出發，表現她經歷的感受。我們從其他拍攝演唱會片段的電影中學到，一旦你站在觀眾視角，那麼重點就轉移到了舞臺表現，對角色本身的感受就會削弱一些——我們不想這樣。”

趁著導演為電影製作音樂的時機，攝影師帶著一臺攝影機去了導演家，想看看他在鏡頭中不同角度的樣子，從而幫他找到視覺呈現風格。“這裡我們出現了很多創作靈感，”攝影師利巴提克回憶說，“導演家裡有個紅色的標誌,在廚房旁邊透射出一道紅色的光,像極了電影裡的一個標誌，這是我們在舞臺表演場景的用色靈感。事情就這麼順利地進行了——我還拍了幾個他的側面鏡頭。我們後來看了這些素材，而那短短一天的拍攝，也讓我們確定了處理這部電影的方式。”

這種方式就是對每個場景的安排有明確想法，但同時給予對攝影機的擺放位置和呈現方式開放選擇。“主演遊走在完全即興創作與對影片風格的絕對掌控之間，”攝影師利巴提克說，“他對所有事都持開放態度，但同時又一絲不苟。他對拍攝通條不感興趣。對他來說，把攝影機放在正確的位置比拍更多鏡頭重要。”

攝影指導喜歡在不過分依賴特寫鏡頭的情況下，讓觀眾能與角色感同身受。“在1976年那版中，導演似乎痴迷於特寫鏡頭。而拍特寫鏡頭時需要調整光線，所以當你切入一個特寫鏡頭時，整個場景的感覺就變了。你會突然感覺到光的存在。我和導演更希望我們的版本能更自然和真實。”

“視覺呈現上，我希望影片一開始就圍繞著主演傑克遜的世界展開，星途開始時，艾麗還只能依附在他的世界中，”攝影師利巴提克繼續說，“後來，艾麗變得與傑克遜齊名，甚至超越他時，我希望用生動的色彩，建立出一種傳奇的感覺。她在成千上萬的觀眾面前表演，我想讓這一幕像毒品一般絢麗。一切都很完美——但接下來毒品的效果開始減弱，對於艾麗最後一場戲，我只想用白光。色彩代表她瘋狂的搖滾人生，但白色代表著一種清醒。”

同樣，攝影師利巴提克也通過鏡頭的選擇來傳達角色的發展。“我們使用的所有ArriAlexaMini攝影機上都裝配了Cooke/iSFCamtecVintage系列變寬鏡頭和KowaCineProminar變寬鏡頭，”他解釋，“Kowa定焦變形鏡頭用來拍攝布萊德利在臺上的場景。我想利用光學瑕疵——比如眩光、霧化，所有這些老鏡頭會出現的隨機效果。我專門把這些鏡頭用在傑克遜·緬因身上，讓他所有的舞臺畫面都帶有這種質感，甚至當艾麗開始伴唱，和傑克遜同臺演出時，我也儘可能地繼續用這些鏡頭拍攝傑克遜的特寫，以營造一種艾麗正在進入他的世界的感覺。其他與演唱會無關的、更客觀的部分的拍攝則用了Cooke變形鏡頭。當傑克遜事業開始滑坡時，我還是用Kowa鏡頭進行近景拍攝。而當影片開始敘述艾麗部分的故事時，她是主體，所以我幾乎都在用Cooke鏡頭。”

拍攝庫珀時，利巴提克最喜歡用的器材之一就是ColorCon，他稱其是“內部自帶LED的濾鏡支架。我們在裡面放置了一個(Tiffen的)Glimmer-glass濾鏡，可以調整光線實現圖像霧化，或者製造低對比度的感覺。這有點像以前的膠片前閃效果。我在攝影棚內使用這種方式來展現傑克遜人生的衰落和困苦。”

在艾麗要演唱一首名為《ArizonaSky》的歌時，利巴提克希望將“她”的光芒帶到傑克遜的舞臺上。“之前，她一直存在於他的光芒之下，但從那一刻開始，她擁有了自己的光芒。”他解釋道，“所以，我們得為她設計一個具體的‘光芒’。當時Arri還沒有發佈SkyPanelS360，所以我們把兩個SkyPanelS60拼在一起。我們還做了一個八角形的嵌合型遮光罩安裝在兩個SkyPanel燈周圍，因為我想要把重點放在艾麗而不是傑克遜身上——讓她能在屬於她自己的燈光下凸顯出來。在這之前，她只是存身於傑克遜背後樂隊的燈光中。”

SkyPanel燈和其他一些LED燈具是利巴提克和燈光師傑夫·費雷羅(JeffFerrero)常用的燈具。“即便在傑克遜的家裡，用的也都是LED燈，所以我們可以在一個控制板上設置燈光強度，根據鏡頭的移動調節光線，”攝影師利巴提克提到，“即使在較小的場景中，我們也能完全掌控。”

《週六夜現場》那場戲是在紐約實景地拍攝的，燈光師向他推薦了Astera的AX1PixelTube燈。在此後的拍攝中，他也一直在使用該設備。“它們可以遠程遙控，電池供電，無需接電，”他解釋說，“我用了很多Astera的AX1PixelTube燈，也用了很多LiteGear的LED燈，像是LiteMat燈毯。”

燈控臺調光師埃裡克·安德洛維奇(EricAndrovich)補充說，“在除演唱會之外的其他場景中，Arri的SkyPanelS60-C燈是燈光師傑夫和攝影指導馬修的首選。我們扥光是傑夫高效的關鍵就在於使用了無線DMX技術，即LumenRadio公司的CRMX無線照明產品。卡車上幾乎所有的設備都可以用DMX控制，也都準備好連接DMX無線接收器了。也就是說，片場所有的燈光都可以通過燈光控制檯來操作，從而可以快速改變燈光強度和顏色。攝影指導馬修隨時都能通過對講系統與我和燈光師傑夫交流，這樣他就可以在拍攝過程中進行小調整和精確燈光的變化。”

對於幾個大場面的演唱會鏡頭，演職人員必須在幾分鐘之內完成歌曲演唱的拍攝，因為他們是在真實音樂節現場演出中擠出時間來拍攝的，比如科切拉音樂節和Stagecoach音樂節。“我們能否增加燈光完全取決於現場舞臺，”攝影指導解釋道，“科切拉音樂節的主舞臺是一次‘做減法’的練習，而在這兩個音樂節的一些小型舞臺上，我們則可以運用一些特殊的器材來增強他們的設備，以達到我們想要的效果。我們還去了格拉斯頓伯裡音樂節，但是在那裡我們無權控制燈光。”

在他們對燈光有控制權時，他繼續說，“我們得快速布光，在兩首歌的間隙調整燈光。“利巴提克指出，“通常，我會從一個主鏡頭開始，以便了解光線落在哪裡，但是在這裡我們幾乎拍不了什麼全景——如果有的話，也是從演員身後進行拍攝。”

“每次涉及到舞臺或音樂的部分我都很緊張，因為燈光很容易變得無法控制。對每個場景我都會說，‘好吧，這裡我最大的問題是什麼?’然後圍繞這個問題調整燈光。這樣帶來的好處是我們已經建立了一套視覺語言，在這個範圍內我們可以即興創作。我們可以在當天改變某些東西，然後將重點轉移到另一些東西上，但整體風格依然是合理連貫的。”

雖然在這些音樂節上拍攝了幾首歌，但安德洛維奇指出:“大部分的演唱會場景還是從零開始創作的，需要花費好幾天來佈景，也拍了很多天。”攝製組儘可能努力地將演唱會的燈光設計在各個方面貼近現實。“(我們就像真的在)設計一場面向觀眾的現場表演或演唱會，然後為此挑選並擺放燈光設備，”他解釋道，“從這部分工作開始，我們將燈光分組:臺下、臺上、舞臺左方、舞臺右方。我會根據鏡頭位置調節燈光強度，保證演員能夠處於合適的對比度下，同時避免出現攝影機的陰影。很多演唱會場景都是一鏡到底拍攝的，很多時候我要同時盯著兩三臺，有時候是四臺攝影機，以保持演員身上馬修想要的明暗度，同時還要控制色彩變化和效果。他會在HME對講系統上和我交流，所以他能直接在最後一秒對燈光進行調整。”

安德洛維奇提到在大多數演唱會拍攝中，Martin的MacAura燈起到了很大作用。這種多功能LED燈具既能當染色燈又能當束光燈。“在洛杉磯的希臘劇院拍攝的那場演唱會中，我們用了160多個MacAura燈。”他說，“你在演員身上看到的豐富、飽和的色彩就是它們的功勞。其他演唱會燈光則是依靠一些(飛利浦)Vari-Lite聚光燈和染色燈，ArriSkyPanel，ClayPaky的Sharpy燈組和Ayrton的Magic-Panel-R燈來完成的——馬修在科切拉音樂節開始拍攝工作時看到了Ayrton的燈具，並且很喜歡它們的效果。我們還用了一對帶有地面控制追光系統的PRGBadBoy移動聚光燈，調光師可以即時追光。”

“第一週的拍攝就在科切拉音樂節期間，”安德洛維奇回憶道，“那是我們最大的挑戰之一，但是那裡拍攝的幾個場景也為影片中剩下的演唱會布光奠定了基調。當我們出現在夜間演唱會的拍攝場地MojaveTent時，卻發現負責音樂節燈光裝置的調光師不在。幸好，舞臺技術人員很好說話，允許我們全權使用所有燈光設備以及其控制檯。科切拉的每個舞臺幾乎都是這樣——燈光由GrandMA2燈光控制檯控制，恰巧我使用的是相同的控制檯。在拍攝開始前我有幾個小時的時間去熟悉那裡的設備，我調整了燈光程序，以切合馬修想要的風格。最後一切都進行得很順利，我們也成功地實現了馬修的要求——但事實上當時的情況很可能會出很糟糕的錯誤。”

經歷了在科切拉前幾晚的拍攝，利巴提克和安德洛維奇對其他演唱會場景的視效安排做了一些調整。“馬修偏向對比色的簡單變化，而不是華而不實的效果。”安德洛維奇說，“他把原色紅和淺青色設為傑克遜表演的色彩主調。在電影后期艾麗的事業漸起時，我們就開始賦予她的表演一些獨有的色彩，也增加了更多的燈光效果。”

考慮到機動性，攝影指導利巴提克選擇了AlexaMini攝影機。拍攝演唱會鏡頭時，攝製組平均會使用三臺攝影機覆蓋整個場景，拍攝特定鏡頭時還會再增設一臺。所有攝影機都用ArriRaw格式錄製。“LadyGaga是現場演唱的，”利巴提克說道，“她拒絕對口型。其實我不想讓她太累，因為每場拍攝她都會付出150%的努力。她的第一場演出是傑克遜勸她走上舞臺，我用了四臺攝影機，以便可以交替使用。我不想把它搞砸，雖然我們對需要拍攝的內容十分明確，但我想讓攝影機最好準備，隨時可以更換拍攝方式。我不想錯過LadyGaga的任何瞬間。”

這部電影製作的現實情況就是這樣——利巴提克和庫珀等劇組成員發現他們每個人都身兼數職。“布萊德利既是導演，又當演員，同時還要考慮影片風格和其他各種事，”攝影指導坦言道，“雖然我負責演唱會場景大多數手持鏡頭的拍攝，但在其他故事情節敘述部分，我則要坐下來觀看所有攝影機，以便替導演監管一切。我希望成為他在片場的夥伴，擔起所有他想讓我承擔的責任。他曾問過我，‘你能留心一下，看看我的聲音有沒有變化嗎?’這對一個攝影指導來說其實是個古怪的要求，但他正在進入角色的聲音，不想出戲。可能有一兩次我對他說，‘我覺得這個聲音有點像你自己的聲音。’然後他就會重新再嘗試另一個，確保自己的聲音聽起來像傑克遜。”

“這其實也是一種解放。“他繼續說，”因為我沒有像往常那樣注意光線和構圖。如果我因為要幫布萊德利注意一些東西而沒有在管燈光和構圖時，那麼其他人就會幫我負責一些東西。和熟悉的人一起工作讓我很受益，我得到了很多支持，所以可以把關注點延伸到其他事情上。”

電影的調色是在Company3與高級調色師史蒂夫·索南菲爾德(StefanSonnenfeld)一起完成的。“導演很想讓影片同現場拍攝時的效果一樣，所以(最後調色階段的)主要任務只是要保留原片視覺效果，無需改動太多。”利巴提克說。

他還說，整個後期階段，導演“不遺餘力地努力追求更好。我可能看過五個非常不一樣的剪輯版本，因為他不停地在影片上下功夫。過了好一陣子，影片才最終完成了，就像《頂級大廚》節目裡的一個情景一樣——‘時間到，該放下刀了!’他是個優秀的領導者，因為他鼓勵我們每個人都開放思維。”

“我不希望在這個過程中留下任何沒有解決的問題，”導演說，“我想要集思廣益，每個人的意見都有價值。”通過採用這樣的方法，達成的結果就如他所說的一樣，是同利巴提克和他團隊的“一次美好的合作”。“關於他們以及他們為這部電影做的一切，我簡直有說不完的話。”