'眾大師經典素描集錦以及素描知識資料學習'

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

"

一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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一、什麼是素描

素描，就是用單一的顏色(包括一切固體材料——鉛筆、木炭、炭精捧、堊筆等和液體材料——水墨、水彩、水粉等)來表現對象，是一種單色畫，它是與彩繪相對而言的一個名詞概念。從造型能力的訓練來說，素描就是用單色去寫生，通過形體結構、輪廓、比例、構圖、運動、線條及明暗調子等造型因素的運用來表現客觀物象，藉以訓練我們的造型能力，進而從中去發現認識客觀世界中的“美”。因此，素描的實踐應包含造型能力的訓練與審美力的培養。

對於一個畫家來說，僅靠造型能力是不能取得專業的成功的，他還必須具備健康的審美觀。藝術是一種精神創造，藝術家的修養、品格、感情、意識等諸因素往往對前者起著決定性的作用。正所謂“畫如其人”。

二、為什麼要學習素描

《孟子·離婁上》：“不以規矩，不能成方員(圓)。”規矩也就是法則，知識必須循規蹈矩，循序漸進，苦練勤學，才能獲得。

素描是一切美術的造型基礎，是油畫、中國畫、版畫、雕塑和工藝美術等一切造型藝術的基礎訓練課程；是一門造型藝術的基礎科學。既是科學，就來不得半點虛假與取巧。初學美術的人，要獲得較好的造型能力，必須具有重視規矩和尊重科學的精神，在啟蒙階段，首先應該紮紮實實地努力學好素描，舍此而絕無捷徑可行。

所以，素描練習是學習各種美術專業的一項必不可少的重要基本功，是技術性很強的基本練習，是初學美術者的一門必修課，需要堅持不懈地學習。

三、素描的任務

作為基礎訓練的素描其學習任務有兩項：

一是研究客觀物象的形體結構；二是表現客觀物象的形體結構。

說得再具體些，要畫好素描就要徹底地分析物體的結構原理，研究對象的每一個物體的構造，要立體地觀察所描繪的對象，只有這樣才能找到對象最強烈的特徵所在，才能掌握作畫的整體性，做到整體地、立體地去表現對象。這就是作為基礎素描的基本要求。

四、關於素描術語的一些基本概念

1．形體結構

“形”是指物象的形狀，如方形、圓形、三角形等。“體”、則指的是物象的體積，即物象的高度、寬度和深度。形與體兩者是聯在一起不可分割的，任何物象有體才有形，見形必有體。

結構指的是物象結合構成的各自規律。客觀物象的結構決定了它的形體特徵。例如蘋果

的結構決定了它基本是圓形的球狀體，等等。

2．線條與明暗調子

線條與明暗調子是素描造型的兩種基本手段，在藝術表現上各有特點，兩者亦可兼揉互濟、相輔相成。用線條造型重於結構，它概括性強，生動有力；用明暗調子表現物象則重於體積、光感、質感，有較強的直覺效果，具有真實感。而二者結合作為表現手段亦同樣獲得很好的藝術效果，在我國傳統繪畫中用線條旁加渲染凹凸技法的也不乏典範。至於採用哪種表現手段，這取決於作者本人的風格及作品的要求。但是，作為素描基礎訓練，特別是初學入門階段，還是以全面學習不同的表現手法為宜，這對增長見識、提高欣賞力是大有益處的。

3．體積感與空間感

物體所佔據的高度、寬度和深度的三度空間，就是它本身的體積範圍。素描中的體積感是我們表現物體三度空間範圍的效果。

空間感是畫幅中物象與物象、人物與人物、人物與物象之間的空間距離感覺；此外，還應包括作者與畫中景物的空間距離效果。表現空間感除了近大遠小的形體透視原理之外，還要運用近實遠虛，以及近鮮明、遠灰暗的色彩透視對比手法。

4．質量感

客觀物象都屬於一定的物質，石膏、布料、玻璃、金屬均分屬於不同的質。量即物象的體積及重量。不同質的物象具有不同的體積與重量，前者必須通過後者的存在而顯現，質與量是不可分割的統一體。不同的物象還具有不同的組織結構、不同的質地、不同的固有色和不同的光澤等，我們描繪不同的物象時，可以因物制宜，用不同的表現手法，也可充分利用工具材料的原有條件，這包括線條、筆觸、水分、紙張、布紋等等不同的肌理效果。

量感在作畫的過程中的表現是很重要的，要畫好物體的量感，這與作者的氣質、修養等很有關係。忽略了物體體積與質感的表現，就不能使畫出來的東西有分量，這與初學者簡單概念地理解對象有關。

5．整體感與完整性

素描的整體感是指作畫過程中畫面的整體效果而言。

素描的完整性則是根據作品的目的要求，畫面達到既定的完整的藝術效果。完整性並非鉅細不漏的繁瑣描寫，面面俱到的磨紉工不僅會破壞畫面的整體關係，而且使畫面失去了完整性。有時，畫面看似寥寥幾筆，但已達到作畫的目的，亦不失為一幅佳作。

雖然整體感不能代替完整性，但整體感卻是完整性的基礎，一幅完整性好的作品，畫面的整體感一定是比較強的。

慨說終究是概說，以上談到的問題只是一個粗略的介紹，很多問題在以後的章節裡將作具體詳細的論述，在此不贅述。

石膏像靜物

1 素描被看作是進入美術大門的必經之路,因為這一訓練所涉及的範圍幾乎囊括了藝術的全部基礎領域.

2 寫生即是直接對照實物畫畫,要有明確的規範性和準確性.

3 素描正常的教學往往從幾何石膏形體人手,因為幾何體的構成萬物複雜形體的基本元素.

4 寫生的內容包括空間,比例,透視等視覺造型因素的要求.

5 石膏像的寫生訓練是重多藝術院校的必修課,因為它所具有的色調單一,靜止不動的特點便於學生更好地從 觀察研究形體.

6 素描訓練的第一步往往是從靜物寫生人手,通過這一訓練可以使我們對周圍現實中一切形體的多樣性有所瞭解.

7 素描畫表現物體有空間,形體,體積,結構,光影等內容.

8 石膏像的寫生使學生有可能因他們在畫人物模特時所不能達到的那種精確性來研究形體.

9 石膏幾何體的寫生的掌握是對其它複雜形體規律表現的前提條件。

10 石膏像不僅在研究比例，關係上幫助學生更好地容易地處理活的模特而且由於石膏像中體現出的是概括的形體。

11 石膏像是經過藝術家的提煉之後的藝術形象，使學生在完成作業的同時也自覺地呼吸到藝術氣息是對學生審美意識的潛移默化的提高。

12 完成了石膏像的練習自然地 就進入到人像練習，人像相對石膏像更為的豐富，因為人是有生命的。

13 從視覺上，當我們在某一角度觀察形體時該形體的外緣由於透視的原因，縮減而成為較細的邊緣線這是輪廓線。

14 兩個面之間轉折的交界處我們可以看到明顯的隱晦線這是結構線。

15 在作畫過程中把形體各部分在空間位置上相關的各點聯繫起來，用假定性的線條引導各部分的結構關係,強化空間感的表現這叫輔助線。

16 從對形象的主觀感受和表現意圖出發，在作畫中採用意象的強調的或表現性的線條，這是主觀用線

1.素描( DRAWING )、速寫( SKETCH )、。

2.由木炭，鉛筆，鋼筆等，以線條來畫出物象造型的單色畫，稱做素描。 素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。 (藝術家雜誌，論素描--蕭如鬆)

3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法，如蠟筆，炭筆，鋼筆，畫筆，墨水，及紙張，其它還包括在溼濡的陶土，沾了墨水的布條，金屬，石器，容器或布的表面所造成的磨損。 (藝術視覺百科全書)

4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，幷包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。

5.素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是著重結構和形式。 (大不列顛百科全書)

6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部份的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。

素描的地位：

1.素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。

2.素描是其它藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻(浮雕)，另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。

3.素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷燬。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有著廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。

素描的技法和種類：

1.線和線條技法，素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。

2.素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。

3.在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。

4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。素描也可用多色畫筆作為基本材料，用來加強素描效果以及素描的藝術性。

素描工具：

1.素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係著素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。

2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，幹筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。

素描題材：

1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了１９世紀又出現以日常生活為題材的素描。其它還有想象和抽象素描、藝術性建築素描等。

2.至於２０世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中 (立體派)。

3.在２０世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』，超現實主義者則著重表現潛意識心理。

4.除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。

5.文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。

素描線條的演變：

1.線條的解放：(安格爾對繪畫線條的革新)

(1).在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。

(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。

(3).對安格爾而言，人體的比例並不求自『自然』或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。

(4).講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。

2.強調線條本身意義與表達的特質。

3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發：

(1).一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。

(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。

東方的素描：

1.西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。

2.我國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。

3.中國早在公元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。

藝術家對素描的態度：

不少藝術家曾臨摹其它藝術家的素描，如魯本斯 (RUBENS；公元1577~1640年)、林布蘭特 (REM．BRANDT；公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；公元1853~1890年)。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度：

1.一種特殊風格：竇加(DEGAS)，羅特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)

2.興趣：林布蘭(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)

3.複製用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)

4.為鑑賞家而作：卡拉齊(CARACCI)兄弟，保羅.布利爾(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作饋贈：米開朗基羅(附錄一)

常用的素描用語：

1.明度：色相明亮或沈暗的程度。

2.比例：一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。

3.構圖：各部份的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重

復的體系去安排。

4.輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。

5.平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。

6.線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。

7.立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體

有三度空間的特質。

兩條線

交界線——面與面的轉折線。

邊緣線——可見面與不可見面的交界。

三大面

在固定光源的影響下，三維物體的表面可分為背光面（暗面）、側受光面（中間面）、正受光面（亮面）。它們在色調上也依次呈現為黑、灰、白三個基本色階。

五大調子

立體物象的各個轉折面以不同角度接受光源，形成了深淺不同的色階，這就是調子。三大面光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五調子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一物體投射光影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。

認識素描中的明暗

1.何謂明暗：(任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗)

2.明暗產生的原因： 有光源(不論是自然光源、人工光源)照射，才會產生明暗；沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。

3.明暗的基本法則：

(1).光源直射處(向光)是明亮部。

(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。

(3).反射光所形成的是中間灰色部分。

4.利用鉛筆表現明暗的方法：

(1).鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱 。

(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。

5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項：

(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。

(2).當第一筆畫不對時，儘可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。

(3).其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部份遮沒了, 我們只需把露出的部份擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。

6.畫面賓主表現:

(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確；後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。

(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。

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服裝 素描 速寫 2019-09-18

'素描光影表達技巧，大師都是這樣煉成的'

"一定不要看一下考題就開始畫！①很多同學拿到了考題之後，看到是畫照片或者默寫就開始畫了，畫到最後或者出考場了之後才發現，自己漏畫了或者多畫了一些東西。一般來說，每一張考題上都會寫一些具體的要求，比如作畫工具，不得添加配飾或者文字，甚至作畫時間我們都要仔細看清楚，即使每年都是...

素描 連平 2019-09-12

'素描排線少不了——直線以及筆鋒的運用'

"大家好，沒想到，昨天的一篇關於排線的文章反響挺大的。自然今天還是要繼續昨天沒有說完的話題——排線。在說排線技巧和注意的點之前，小編需要先解釋一下網友們的問題。就是有的網友說沒有必要教排線，畫畫得多了自然就會了，而且高手即便亂畫也很好看。小編只能說這些網友在沒看完所有的文章...

素描 文章 速寫 2019-09-12

'素描基礎入門小教程，適合初學者臨摹學習'

"整理一部分素描入門教程。一定要存起來呀· 幾何體和靜物 ·素描幾何體，是基礎中的基礎。無論是靜物、人物、甚至風景畫，都可以用幾何體的來概括形體。比如說球體，人像中眼球、嘴脣珠、鼻頭都可以用球體來概括，然後再畫黑白灰和質感。畫單個的靜物，要注意比例和黑白灰面。要學會用幾何體...

素描 2019-09-12

'廣州畫室：美術生盲目學習素描，不如把這個當成一個目標'

"美術生的藝考有一門科目是素描，有的同學可能就只是為了考試，認為考試才要學素描，素描能提高造型能力大家都知道嗎?素描造型的能力是-個綜合的概念，具有多向性特徵。只有在長期而嚴格的素描基礎訓練中，掌握造型的技能技巧，才能逐步地發展和提高造型能力，在素描學習中應從以下方面加強訓...

素描 藝術 廣州 藝考 阿拉託斯 2019-09-12

'大師徐悲鴻素描作品欣賞'

"徐悲鴻（1895-1953）江蘇宜興屺亭鎮人，中國現代油畫家、中國畫家、美術教育家。將西方現實主義繪畫觀念和方法引入中國的先驅者之一，中國現代美術事業的奠基者，也是影響20世紀中國畫壇的重要人物之一。徐悲鴻 自畫像在中國現代美術教育史上，素描教學最為嚴格、最具系統化、最具...

徐悲鴻 素描 國畫 藝術 美術 文藝復興 寫生 油畫 文化 壁畫 陳三立 江蘇 法國 歐洲 巴黎 數學 印度 2019-09-10

'素描乾貨——人耳石膏像零基礎教學（適合新手學習）'

"石膏像是學素描的必練基礎項目今天教大家畫一個人耳石膏像話不多說，先貼原圖首先，我們確定一下外輪廓主要有兩條傾斜線畫出方形外輪廓以及圓柱體的外輪廓好，我們的外輪廓線都出來了接著我們畫耳朵的輪廓線型一定要找準如果比例畫不好那就練習一下網格起型法好，我們接著塑造一下耳朵的厚度初...

素描 2019-08-31

'超詳細的素描心得總結，從素描的分類，到零基礎的正確學習方法'

"關注頭條號：美術燴咖，私信回覆“畫畫”，即可免費獲得零基礎繪畫教程一、素描的分類素描按內容可分為靜物素描、人物素描、風景素描、石膏素描等；按時間可分為速寫素描、長時間素描等；按工具可分為鉛筆素描、鋼筆素描、彩筆素描等；按表現可分為臨摹素描、寫生素描等；按傳統角度可分為中國...

素描 寫生 設計 速寫 美術 板栗 建築 阿拉託斯 體育 2019-08-30

'論目前素描培訓機構的利弊以及如何選擇美術畫室'

"很多家長都有這樣的疑問：“我地孩子學了幾年兒童美術了，現在想學習正規素描課程，多大年齡合適？我應該如何選擇美術畫室？”要麼就是“孩子很喜歡畫畫，想給他報一個素描培訓班，但是自己不懂，學素描難嗎？有用嗎？”，基本上想給自家孩子報名美術培訓地家長都有這樣地疑問，本文就針對這個...

素描 美術 不完美媽媽 油畫 大學 列奧納多·達·芬奇 人生第一份工作 2019-08-26

'美術生素描學習中，對於技法掌控的重要性，超詳細'

"在學習當中我們經常會看到一些畫的很生動活靈活現的素描作品，很能夠打動自己，自己也想畫出那麼好的素描作品，於是各種研究理論知識各種研究繪畫步驟，畫來畫去卻怎麼也畫不好。其實原因就出在對技法掌控的熟練度，這種最基礎的如何用筆和如何排線的技法類問題才是畫的不好的同學最需要解決的...

素描 服裝 最in買手君 2019-08-23

'大師門採爾經典素描32幅'

"門採爾，即阿道夫·馮·門採爾（Adolph Von Menzel 1815-1905），是世界著名的素描大師，德國十九世紀成就最大的畫家，也是歐洲最著名的歷史畫家，風俗畫家之一，更是傑出的素描大師。門採爾一生為世界留下約7000餘幅素描作品和80餘本素描，速寫集，廣泛而深...

素描 原汁原味的德系SUV 歷史 歐洲 2019-08-13

'乾貨來了｜素描靜物經典步驟，四步法，清晰易懂！.'

"素描靜物的繪畫步驟，方法是非常重要的。四步法是非常經典的，對於短期出效果非常有幫助，具體如下：靜物照片第一、起形整個起形階段，其實包括構圖和起形，對於少有基礎的同學呢可以合併在一起，這步很關鍵，是畫好作品的第一基礎步驟。花幾分鐘先做好構圖，然後用淺線迅速勾出每個物體的外形...

素描 2019-08-07

'零基礎學習素描的乾貨，你想要的都在這 （收藏）'

"頭部頭部：如果我們將眼睛、鼻子、嘴巴還有耳朵從頭部拿掉，就只剩下兩個球狀的頭顱以及形似圓柱狀的頜部。頭顱是一個球體，但兩側是平的，無論你畫的頭是朝著哪個方向的。它的高度為這個圓的直徑的2/3。從中心線往上，將其分成三等份，這裡便就是橢圓形的一端。腦顱佔頭部的1/3，下頜部...

素描 收藏 美髮 2019-08-06

'這位大師的素描看似狂躁實則功力深厚'

"細節圖看看大師用筆痕跡眼睛、鼻子、嘴巴我們學過的結構、三大調子五大面在大師筆下，僅僅幾條線而已放大後看細節貌似只是隨便畫了幾筆而已看看頭髮的處理真是不可思議來一幅複雜的場景速寫是不是感覺什麼都還沒有畫五官、光影、神情等什麼都已經有了這就是水面的處理……已經無法用語言描述了"

素描 速寫 2019-08-02

'素描零基礎教程，還有訓練方法，乾貨！！（內附學習教程）'

"最近很多零基礎的私信我出一篇學習素描的教程！你想學素描，但是卻無從下手，不知道從哪開始畫，剛開始該學習什麼？不用擔心，這篇文章會告訴你學習素描正確的過程。我希望你先看看素描是什麼？當然如果只是想畫畫自己喜歡的東西可以不必理會這些。學習素描的步驟：根據中國美術教育的大多數觀...

素描 美術 2019-08-02

'素描老師教你用幾步畫花蝴蝶，素描小白也可以學習的哦~'

"喜歡繪畫的同學一定要私信“畫畫”，有繪畫教程和公開課等著你哦~ （私信方法：點擊“小菊的畫”頭像，進入主頁面，上方有私信功能。如果沒有私信功能說明你是精簡版頭條，請下載專業版頭條）繪製蝴蝶時，通常我們太注意它們身上的花紋而忽略了光影，最終使畫面失去了真實感。按照正確的步驟...

蝴蝶 素描 花 2019-08-01

'新手如何學習素描，素描基本技法講解~丨網友：文章..........'

"YJ美術繪畫藝術如何學習素描,應當建立在寫生的基礎上。寫生是素描訓練最基本的形式，是提高素描畫畫能力的主要手段。 進行素描寫生首先有一個如何正確認識對象的問題，這就是觀察方法的問題.作為剛剛才學習繪畫的同學，觀察方法的訓練與觀察習慣的養成非常重要，那麼結構素描究竟有什麼特...

素描 寫生 文章 美術 2019-07-29

'為什麼學素描？——帶您瞭解美術高考中素描學習的重要意義'

"學習美術時，我們一般是從素描開始來進行真正的繪畫的，因而素描可以說是現代繪畫的入門基礎了。素描在學習中步驟比較簡單，而要畫好素描卻需要擁有很高的藝術認識，以及很高的技法造詣。因而畫好了素描，在以後的各種繪畫當中都能表現出非常紮實的基本功。在素描階段，學畫者也需要認真練習，...

素描 美術 藝術 攝影 2019-07-25

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