讚美《愛樂之城》是一件很容易的事。
它耀眼的歌舞場景，行雲流水般的鏡頭轉換，無處不在的細節表現，和兩位主演無可挑剔的表演。
將一切美好字眼化成銀幕上噴湧而出的色彩，賦予觀眾極致的視聽享受和情感共振。
如同近年來罕見的藝術珍品那樣璀璨。
這是一部驚豔了很多人的電影，從一開始絡繹不絕的好評，到後來的有褒有壞...
但不否認的是，它是一部好的歌舞電影。
很多人都喜歡看歌舞片，因為觀人觀景又唱又跳，感覺歡樂又解乏。
印度電影幾乎每部都會加插歌舞成分，而且成為傳統，沒有歌舞的算不上是主流。
荷里活的百老匯式歌舞片，有閤家歡仙樂飄飄，也有油脂飛西城故事，都是風靡一時的話。
不過美式歌舞片摩登、浪漫與玩樂的風格，依然無可取代。
而在看《愛樂之城》時，你會發現他們都巧妙合二為一了。
《愛樂之城》是我極力推薦的一部電影
《愛樂之城》獲得好評，尤其是沙澤勒的劇本和導演功力、高斯林和斯通的演技、赫維玆的配樂及影片中數不過來的舞蹈數量。
它贏得第74屆金球獎所有七項提名而打破典禮記錄。
並在第70屆英國電影學院獎獲得十一項提名而贏得五項。
電影在第89屆奧斯卡金像獎獲得十五項提名，包括最佳影片，打平了《彗星美人》和《泰坦尼克號》的紀錄。
其最終贏得六項：最佳導演、最佳女主角、最佳攝影、最佳原創音樂、最佳原創歌曲和最佳藝術指導獎。
《愛樂之城》在美國及加拿大地區共累積了1億5千萬美元的票房，加上來自其他地區的2億9千萬美元，全球票房共計4億4千6百萬美元。
而其製片預算只有3千萬美元。
這讓其成為美國票房史上前十名最高盈利的小成本電影。
憑藉《愛樂之城》，達米恩·查澤雷再度證明了自己是時下最有才華的電影導演之一。
電影片名取材於美國俚語“La La Land”，意為“一種沉溺在夢境般的、脫離現實的精神狀態”。
港譯片名《星聲夢裡人》直抵“夢幻之地”的本真，我認為比《愛樂之城》翻譯得更好。
《愛樂之城》劇情考究，把一個“相識、相戀、相忘於江湖”的愛情故事詮釋得如同水晶般透明。
打開回憶之窗，往事慢慢流淌，眷戀、惋惜的是情感奔湧時刻的恣意妄為，還是一瞬間濃情蜜意消散的悵然若失。
就像每一段戀情都有始有終，有的開花結果、落葉歸根。
而有的愛情則是理想主義者的“獨奏”，抑或失戀者的啜泣、悲傷。
這是一部有夢的電影，有夢即能共鳴，這就是《愛樂之城》為什麼能夠感動整個好萊塢的原因。
好萊塢並不永遠是紙醉金迷的世界。
他對於成功人士來說是一個紙醉金迷的名利場，對於普通年輕人來說是一個遙不可及的夢搖。
但是它對於底層的工作者來說，是一個未知的黑洞，你不知道走進黑洞之後，會遇到的是災難還是希望。
所以，與其說《愛樂之城》是一部讓整個好萊塢沸騰的影片，倒不如說是好萊塢每個底層工作者的辛酸堆積起了這部電影的沸點。
這是屬於好萊塢自己的故事，這是屬於底層人士追尋自己夢想的故事。
兩個處於好萊塢名利場最底層的男女，懷揣著各自的明星夢，他們相遇、相愛、互相支持、互相理解。
他們懷揣著遠大的理想，做著最底層的工作，來維持生存。
他們披荊斬棘、克服困難、永不氣餒卻看不到前途與結局。
歌舞，只是電影的外衣這部電影，而內核便是這部電影要表達的情感。
這是一部流露真情的電影，他讓所有的年輕人能夠在當中找到共鳴。
不管你是正在奮鬥中、還是功成名就後，都能夠在電影中找到自己或者以前的影子。
電影剛放映時的長鏡頭是第一個讓我興奮的點。
一氣呵成的流暢感讓人痛快淋漓，演員的服飾靚麗又色彩分明。
唯一一點就是大量的歌舞可能會讓一些人失去看的慾望，可這就是一部歌舞片啊，它不是一部純商業的爆米花片，確實比較小眾。
但更多的，還是激起了觀眾的熱情。就像當年的《三傻》一樣。
即使《愛樂之城》不是年代戲，但導演的拍攝手法以及色彩運用頗極具年代感。
畫面飽和度很高，服裝搭配復古明豔，讓人離不開鏡頭五光十色的畫面。
全片貫穿歌舞情節，男女主角都不是專業歌唱、舞蹈出身，表演技巧也的確有所欠缺。
但是劇本情感補救作用很大，而且電影的眾多配樂也是好聽到爆炸。
值得肯定的是，影片特別重視場景氣氛與色彩給人的主觀視覺感受。
最典型的就是影片對於歌舞場景走心的運用，避免了一言不合就唱歌跳舞的尷尬。
很顯然，我們都是被阿三電影給嚇怕了。
導演達米恩·查澤雷清楚的知道，什麼樣的歌舞調度能夠打動人的情感。
影片整體色彩斑斕，主色調正如同電影海報那樣湛藍清澈，充滿了理想與夢幻的感覺。
全片看下來我們可以感受到導演對於場景燈光變化的運用能力很nice。
在酒吧中，周圍的燈光逐漸滅去，只留下鏡頭中的女主角孤獨的站在黑暗中，
女主角內心深處的孤獨感無限放大，帶著一絲情緒的渲染，清楚的直達內心。
影片的高潮處，石頭姐和瑞恩高斯林在藍色的夜空中逐漸升起，翩翩起舞，也是兩人內心世界的甜蜜寫照。
生活的孤獨與愛情的甜蜜，都是主觀世界中自己的感受，如人飲水冷暖自知。
我當然不會將其簡單歸入那些適合情侶約會、填滿可樂汽水和爆米花味道的愛情喜劇。
雖然電影也是選在情人節檔期上映。
其實說一部電影的好壞，每個人的經歷、喜好、先期判斷不同，對一部電影有期望也有失望，其實再正常不過。
我們可以將這場繽紛的視覺盛宴分為不同區間。
作為一部歌舞片來看，《愛樂之城》較之於它所致敬的前輩自然遜色不少。
而作為一部當代語境下誕生的愛情片，它對現代人的心理摹畫又是如此精準靈活，如那幽藍夜空中閃爍的光影，在經典的長河中灑下皎皎星輝。
舞動奧斯卡，結緣洛杉磯。
《愛樂之城》一時間成為了影迷、觀眾口中津津樂道的現象級電影。
從去年9月在威尼斯亮相時起，到後來橫掃奧斯卡頒獎季。
對這部電影由單純的期待，轉為後來各種讚譽解讀混合成的印象，再到忍不住反覆觀看。
一個問題也在頭腦裡日漸成形：它憑什麼打動這麼多人？
看來要回答這個問題，還是要回到電影本身。
因之前拍攝《爆裂鼓手》而享譽歐美電影界的導演達米恩·查澤雷執導本片。
”石頭姐”艾瑪·斯通飾演女主米婭，
瑞恩·高斯林飾演男主塞巴斯蒂安。
這部充滿理想主義“烏托邦”色彩的歌舞片以華麗的佈景、小資趣味的情節設置。
講述了一段關於相遇、相愛、分離的洛杉磯的追夢者旅途。
夢如人生戲，這部歌舞片藝術氣息濃郁，致敬了包括《西區故事》《紅磨坊》《名揚四海》《錦色春城》等在內的數十部好萊塢經典歌舞片。
讓那個好萊塢歌舞片的唯美場景盡收眼底。
而很多人之所以喜歡這部片子，也正是因為它實在美好得無可救藥，浪漫得一塌糊塗。
事業不如意的年輕女演員和窮困潦倒的音樂家墜入愛河，一起追夢的故事其實已經被前人講了很多次。
然而31歲的導演仍不厭其煩地再次向觀眾講述這樣一個故事。
這樣的固執讓我感動。是更為憤怒的，孤注一擲的，飽浸汗水淚水甚至無奈的。
而在《愛樂之城》的相比之下，則是透明的，瑰麗的，乾淨的，如夢似幻的。
閱遍整個故事，你會驚詫於它在結構和手法上的嫻熟。
從朦朧的街道佈景，復古設計的字體，複雜的舞曲，到男女主角的邂逅與分離。
一切都是晾在回憶深處的底片，倒映著昔日的影子。
哪怕說不出具體的線索和名稱，觀眾也能時刻感受到導演對那個黃金時代由衷的懷念和致敬。
以四季為過渡節點，徐徐展開一段唏噓和浪漫交織的感情。
話不多說，開聊。
《愛樂之城》的女主角米婭是一個夢想成為好萊塢女演員的女孩，每天不停地面試，卻因為各種各樣無奈又令人發笑的原因被打斷。
在她的房間裡，貼著一張巨幅的海報，上面是英格麗·褒曼。
米婭十分沉迷老電影明星。
她在華納兄弟的片場當咖啡師，經常翹班去試鏡，如果真的接到戲，哪怕再小的角色也會讓她欣喜若狂。
而接下來發生的男女主愛情故事，也忍不住讓人想起褒曼主演的電影《卡薩布拉卡》
男主塞巴斯蒂安是一名系絲綢領帶的爵士鋼琴師，對藝術有著近乎潔癖的追求。
他的夢想是將即將消亡的爵士樂發揚光大。
但他所痴迷的音樂更適合放在博物館展覽，最後淪落到在餐廳因為即興彈奏而被老闆解僱。
他想開間俱樂部，但他所痴迷的音樂更適合博物館，幾乎沒有人會願意花錢去聽。
為了生存，他違心加入了一支流行爵士樂隊，在尖叫的觀眾面前擺弄電子音樂合成器。
同樣追求夢想的兩人在這座城市裡遇見彼此。
兩人的相遇沒有避開俗套，但這就是偶然中的必然，因為他們都是處在人生的低谷期。
一個懷才不遇，一個屢遭拒絕，一個是閬苑仙葩， 一個是美玉無瑕。若說沒奇緣，今生偏又遇著他。
他們在唱唱跳跳中墜入了愛河，相互慰藉扶持，一起追求畢生夢想。
但在逐漸達成夢想的同時，藝術與事業、夢想與現實之間的朦朧博弈，令兩人的情感也面臨抉擇和考驗。
在經歷了一系列挫折、分歧後，他們彼此鼓勵對方不要放棄夢想。
五年後，米婭成為一名備受矚目的優秀女演員，並和另一個男人結婚成家立業，育有一個女兒。
一晚，她陪丈夫來到一家爵士樂俱樂部時，突然發現俱樂部名字為“塞巴斯俱樂部”
於是她意識到這是同樣實現夢想的塞巴斯蒂安所開的俱樂部。
當樂隊開始為臺下觀眾席演奏時，塞巴斯蒂安注意到米婭在觀眾席裡後，開始以鋼琴獨奏方式譜出他和米婭的主題曲。
優美的音樂節奏讓米婭和塞巴斯蒂安雙雙進入一個“假如他們有著一段完美的戀情”的幻想世界。
塞巴斯蒂安結束奢華演奏讓觀眾席掌聲一片，米婭起身離開之前，在門口和塞巴斯蒂安相視一笑。
從這裡開始，導演運用春夏秋冬四個季節來講述兩人的愛情故事。
這其實是歐美電影製造唯美場景比較場景的手法。
但導演也做出了他的特色。
首先春天這場戲是兩人的第三次見面。
明明互相來電了，卻傲嬌地說不可能有火花，明明就想約會，卻藉口說是藝術交流。
這正是戀愛初期的時候，很想靠近，又怕觸摸到的是泡沫，所以假裝自己沒有動情，來掩飾那顆早想取暖的心。
米婭穿著祖母綠的連衣裙，從另一個男人的飯局上離開的時候，滿眼的笑意，藏都藏不住。
夏天代表著熱戀。
這個時候也正式代入兩人的夢想話題及大量歌舞片段。
剛剛墜入愛河的兩個人嘴角都是帶著微笑。
男主幫助女主重新樹立信心，鼓勵她為了理想去嘗試去努力做自己。
而女主也和男主一起暢想和規劃未來俱樂部的一切，兩人也在彼此的潛移默化中漸漸變的自信。
而兩人的感情，也越來越深。
秋天是憂傷的季節。
塞巴斯為了生存找了一份自己不喜歡的職業。
電音舞曲讓全場熱血沸騰，米婭卻笑不起來。
她一個人呆在那裡，不知是看著愛人的成功而對自己的未來迷茫還是因為看見塞巴斯放棄夢想而寸斷肝腸。
倆人在吃飯時開始爭吵，最後不歡而散各自離開
冬天是悲傷但又充滿希望的季節。
米婭試鏡過了。五年後，米婭火了，真的成為了腕兒，再也不用在華納兄弟片場當服務員了。
有了另一半，有了孩子，但這一切跟塞巴斯無關。
音樂響起，塞巴斯又彈奏起《late for the date》，這是貫穿全劇的一個曲子，也是塞巴斯在解僱時米婭聽到的那個曲子。
鏡頭一轉，塞巴斯在餐廳吻住了米婭。
“假如一切重來，我會在第一次見面吻你，推掉工作來看你的第一次表演，我會辭掉工作，跟隨你到巴黎。
巴黎也有好的爵士樂，我們會有美好家庭，在孩子丟給媽媽的夜晚，開車帶你進去吃飯，然後一起走進酒吧，聽別人彈奏我做的曲子。”
雖然是悲劇，雖然沒有我們想象的那麼如意。
塞巴斯和米婭，在孤獨的時候相遇，在無助的時候相知。因樂相愛，卻也因樂無法在一起。
腦海中突然想起一句話：
”若我會見到你，事隔經年。 我該如何致意，以眼淚，或沉默？“
電影最後的15分鐘出彩，是《愛樂之城》得到高度讚譽的主要原因。
這段堪稱讓所有愛過的人都為之動容。
多年後，女主角和丈夫無意間走進一家以她當年想法命名的音樂酒吧，見回堅持到最後的男主角，他彈起了當年定情之歌。
然後導演用一段蒙太奇拍攝手法讓兩人重新選擇。
再回到現實，兩人只是遠遠看了對方一眼，就此別過。
電影流淌著珍惜開始消失的東西，那苦樂半參的快樂。
例如想像在陰晴不定型歌舞的不真實未來，或者在舊電影中永遠存在的那些漆黑且星光熠熠的舞池，又或者好萊塢歌舞劇本身，或者爵士樂的節奏...
塞巴斯蒂安呆在俱樂部，在那裡他熱情地堅持自己喜歡的音樂。
他說：”它逐漸死去。它已經過了輝煌時間的意思。然而，起碼在我手錶裡看不到這些。‘’
在那一幕，他是跟導演說；而在《愛樂之城》的結尾，他則是跟所有人說。
《愛樂之城》裡描繪米婭和賽巴斯汀感情的段落很多。
其中最成功的，是用歌舞劇這種形式，把不可言傳的曖昧、浪漫動人的戀愛以及痛徹心扉的爭吵都視覺化地表現出來了。
它非常細膩又夢幻地描寫了愛情，那些淘氣、可愛、心動、默契的感覺都傳達的很好。
在時代快進的主旋律中，這樣的堅持註定是另類而孤獨的。
出於內心無法抹去的情結，人們懷念老電影，懷念爵士樂，懷念黑膠唱片。
似乎所有曾風靡一時的事物最終都會走向沒落。
而對傳統藝術形式的放棄和淘汰，往往意味著對於規則林立、利益至上的社會的妥協。
因此像塞巴斯這樣的人甘願接受落魄潦倒，秉持心中美好的幻想，以確保自己的熱情不會轉身淹沒於人群。
印象特別深的一句話，是塞巴斯安慰劇場首演後失落的米婭，並勸她留下：“這是我們的家。”
米婭哭著說：“它不再是了。”
電影最精彩的部分無疑是最後一段蒙太奇。
在魔幻和現實的交融滲透間，曾經相愛的二人不斷溯回至時空隧道的深處。
電影呈現出的不僅是關於現實的另種想象，也是對人生所有際遇和可能性的總結。
如這一場無法預測的夢，劇本早就提前寫好：影院倒閉，古典樂走向凋零……
但只要曾經存在過，那些記憶中美好的光芒就不該被忘卻，之於夢想者的全力付出，同是如此。
最後米婭從塞巴斯酒吧走出，在霓虹投下的光影間和塞巴斯目光相遇，對視一笑。
此時某種不可名狀的傷感在這無言的時刻漫開。
可我分明看到一條夢想閃耀的軌跡，那是贈給所有追夢人的禮物。
就像開場高速路上驚豔的長鏡頭，哪怕前方水洩不通，也要釋放個性，在陽光下縱情起舞。
就像張愛玲說的一句話，
”我以為，愛情可以填滿人生的遺憾，然而，製造更多遺憾的，偏偏是愛情。“
看完《愛樂之城》就像做了一個瑰麗的夢，醒來方知“春夢了無痕”。
雖然影片之路飽受爭議，但我卻覺得這是追夢者寫給洛杉磯的“情書”。
歌舞和數字技術完美混合，從《芝加哥》一路致敬到吉恩·凱利，色彩鮮豔豐富飽滿，情節生動感人。
當所有這些元素結合在一起，《愛樂之城》就是一封寫給洛城的追夢之旅，也塑造了觀眾內心最佳
獻給閃耀過的追夢者和為愛拼搏過的人
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